La Sala secreta de Miguel Ángel

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Monica Bietti, actual directora del museo de las Capillas de los Medici, examina los bocetos en los muros de la cámara mientras sujeta un libro sobre el trabajo de Miguel Ángel.
FOTO: PAOLO WOODS, NATIONAL GEOGRAPHIC

 

En 1975, Paolo Dal Poggetto, el entonces director del museo de las Capillas de los Medici en Florencia, se tropezó con un tesoro del Renacimiento.

Mientras buscaba una nueva salida para los turistas, Dal Poggetto y sus colegas descubrieron una trampilla escondida tras un armario cerca de la Nueva Sacristía, una cámara diseñada para albergar las tumbas ornamentadas de los mandatarios Medici. Bajo la trampilla, unos peldaños de piedra llevaban a una sala oblonga llena de carbón que en un primer momento parecía solo un espacio de almacenamiento.

Sin embargo, Dal Poggetto y sus colegas descubrieron sobre los muros lo que parecían dibujos de carbón y tiza de las manos del famoso artista Miguel Ángel. Aunque la sala permanece cerrada al público para proteger las obras de arte, el fotógrafo de National Geographic Paolo Woods consiguió recientemente acceso para retratar su impresionante contenido.

Las obras de arte son visibles en la actualidad gracias a que Dal Poggetto decidió no correr riesgos cuando entró en la cámara por primera vez. Al encontrarlo en Florencia, hogar de muchos de los principales artistas renacentistas de la historia, sospechó que algo de valor podría encontrarse bajo las capas de yeso.

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El boceto aproximado de una figura humana parece planear sobre la pared de la cámara.
FOTO POR PAOLO WOODS, NATIONAL GEOGRAPHIC

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El dibujo de la cámara alberga un parecido sorprendente con la figura central en este esbozo de Miguel Ángel de “La caída de Faetón”.
FOTO POR MUSEO NACIONAL DE LAS GALERÍAS DE LA ACADEMIA DE VENECIA

«Cuando estamos en edificios tan antiguos, tenemos que prestar atención», explicaMonica Bietti, la sucesora de Dal Poggetto en las Capillas de los Medici.

Bajo la dirección de Dal Poggetto, los expertos pasaron semanas retirando meticulosamente el yeso con escalpelos. A medida que desaparecía esa cobertura, emergían docenas de dibujos, muchos de los cuales recordaban a las grandes obras de Miguel Ángel, incluyendo una escultura de mármol de una figura humana que adorna la tumba de Giuliano de’ Medici en la Nueva Sacristía, diseñada por el propio artista.

Dal Poggetto concluyó que el artista se refugió dentro de la cámara durante dos meses en 1530 para esconderse de la familia Medici. Una revuelta popular había condenado a los mandatarios Medici a exiliarse de la ciudad en 1527, y pese a su mecenazgo de sus obras anteriores, Miguel Ángel había traicionado a la familiaaliándose con sus conciudadanos florentinos en contra de su reinado.

Con su regreso al poder unos años más tarde, la vida del artista de 55 años se encontraba en peligro. «Obviamente, Miguel Ángel tenía miedo», explica Bietti, «y decidió quedarse en esta habitación».

Bietti sospecha que Miguel Ángel se pasó sus semanas de aislamiento haciendo balance de su vida y su arte. Los dibujos de las paredes representan las obras que pretendía finalizar, así como obras maestras que ya había completado años antes, según Bietti, incluyendo un detalle de la estatua de David (finalizada en 1504) y figuras de la Capilla Sixtina (presentada en 1512).

Más sobre arte: El arte de las aves a través de una realidad modificada

«Era un genio», afirma, impulsado por su creatividad sin límites. «¿Qué podía hacer allí? Simplemente dibujar».

Como suele ocurrir con el arte con siglos de antigüedad y sin firmas, es imposible confirmar los orígenes de las ilustraciones con certeza absoluta. Pero el consenso parece ser que algunos de los dibujos de los muros son demasiado amateur para pertenecer a Miguel Ángel. Sin embargo, la procedencia del resto sigue siendo una cuestión de opinión.

Tras su descubrimiento en 1975, una destacada autoridad de arte del Renacimiento catalogó la colección de bocetos como uno de los hallazgos artísticos más importantes del siglo XX. Sin embargo, William Wallace, estudioso de Miguel Ángel en la Universidad de Washington en St. Louis, permanece escéptico.

Wallace opina que Miguel Ángel era demasiado famoso como para esconderse en el nivel más bajo, ya que otro de sus mecenas le hubiera acogido. También sospecha que los dibujos se completaron con anterioridad, en la década de 1520, cuando Miguel Ángel y sus numerosos ayudantes se esforzaban por colocar ladrillos y cortar mármol para la Nueva Sacristía que estaban construyendo en el nivel superior.

Varios esbozos podrían ser originales de Miguel Ángel, según Wallace, pero otros probablemente eran representaciones de trabajadores que intentaban resolver dilemas artísticos o que simplemente se entretenían durante los descansos.

«Separar unos de otros es casi imposible», dice. Aun así, añade que el misterio de quién elaboró estos bocetos no les resta valor ni tampoco quita importancia al descubrimiento.

«Estar en esa sala es algo maravilloso. Te sientes privilegiado», afirma. «Te sientes más cerca del proceso de trabajo de un maestro y de sus alumnos y ayudantes».

La sala provoca una respuesta emocional entre los afortunados que pueden visitarla. Estar entre sus cuatro paredes, con la tenue iluminación de una ventana en la esquina, es como echar un vistazo a la mente de Miguel Ángel, cuya impresionante obra artística llena el edificio.

«Se trataba de una persona con capacidades infinitas», dice Wallace. «Vivió hasta los 89 años y nunca dejó de mejorar».

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Este rostro barbudo aparece entre los dibujos de los muros de la cámara.
FOTO POR PAOLO WOODS, NATIONAL GEOGRAPHIC

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El dibujo se parece a la cara de la estatua “Laocoonte y sus hijos”, una obra de arte antigua que inspiró a Miguel Ángel.
FOTO POR ERIC VANDEVILLE, GAMMA-RAPHO, GETTY IMAGES

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Uno de los muros de la cámara muestra estos dibujos de piernas sin cuerpo en diversas poses.
FOTO POR PAOLO WOODS, NATIONAL GEOGRAPHIC

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Las diversas piernas pintadas parecen ser un estudio para la estatua de Giuliano de’ Medici, que se encuentra sobre la tumba del mandatario en la Nueva Sacristía sobre la cámara oculta.

FUENTE: http://www.nationalgeographic.es/historia/2017/04/descubierta-una-sala-secreta-con-obras-maestras-perdidas-de-miguel-angel

Parsifal – Festival Escénico Sacro – Parte I

Parsifal. Jean Delville

Parsifal. Jean Delville

El Origen

Corría el siglo XIII. La Provenza era un crisol de esencia mistérica: en aquella zona estaban vigentes el gnosticismo, en especial los Cátaros; la Orden de los Caballeros del Temple; la circulación de tratados alquímicos orientales; el Amor Cortés y el surgimiento de los trovadores. Bajo la influencia de tal crisol, fue inspirado un minnesänger bávaro llamado Wolfram von Eschenbach (ca. 1170 – ca. 1220). Él mismo, caballero de la corte de Hermann de Turingia, se transformaría en leyenda. Es que hasta hoy llegan sus seguidores que aún imaginan al poeta creando bajo la sobra de un tilo su más reconocida historia: Parzifal.

El Canto del Cisne de Richard Wagner

Uno de los corazones tocados por el contenido simbólico de los poemas de

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The Holy Grail is carried in. Arthur Rackham (

Parzifal y Titurel fue el compositor, poeta y dramaturgo alemán Richard Wagner (1813-1883). Basándose en el antiguo cuento de Wolfram, realizó su última obra: Parsifal, Festival Escénico Sacro, en tres actos. En ella magnifica la presencia del Grial, que en Wolfram aparece como “una piedra que debe ser de gran valor”, lapis exilis, y que en Wagner la encontramos transfigurada como la Copa que usó Jesús en la Última Cena, la misma que contuviera la sangre de Cristo cuando Longinos, soldado romano, al ver al Maestro crucificado y agónico, en un acto de legítima compasión puso fin a su sufrimiento clavando una lanza en su costado. Tanto la Lanza como el Grial, son reliquias que representan la presencia del Cristo en la tierra, el hombre divinizado, la magia de Redención y la posibilidad de la humanidad en cuanto al potencial de expresar su verdadera esencia: el amor puro, sin condiciones ni barreras ideológicas o intelectuales, sin preferencias, fanatismos o desbordes sentimentales. Ese Amor que se reconoce ante la manifestación del Respeto, el Orden, la Verdad y la Unidad…

Wagner, el buscador del Grial

 

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Parifal’s way to Montsalvat. Andre Kosslick. Digital Art.

Es imposible no identificar la búsqueda personal de Wagner en la composición de sus obras. Al advertir sus miserias y dificultades, buscó la redención en la religión, la mitología, los textos sagrados y las antiguas escuelas de misterios. De allí extrajo arquetipos que devuelven al mundo los valores e ideales que sirven como guía en la búsqueda de autorrealizacion, el regreso consciente al sí mismo. Así experimentó el compositor el efecto de una creación artística:

“Incluso la influencia de la óptica que nos rodeaba, y la atmósfera acústica, elevaban nuestras almas lejos del entorno ordinario; y la conciencia de esto era evidente ante el pensamiento de regresar a la realidad. Ser capaz de olvidar el mundo de fraude en esta verdadera imagen de ensueño parecerá el galardón y recompensa por la amarga sinceridad con que el hombre hubo de reconocer su estado de infortunio.”

El observar su propio “estado de infortunio” surge del definitivo hartazgo de vivir una realidad vacía de significado. Esto predispone al hombre a la búsqueda de respuestas a las preguntas fundamentales, auténtica motivación que lo guía, lo conduce y lo transforma. Esta indagación, análoga a la búsqueda del Santo Grial, sensibiliza al ser humano ante la expresión de la realidad del Alma cuando usa como puentes a los arquetipos que surgen en el Arte, esto que Wagner llama una “verdadera imagen de ensueño”

 

En las próximas entradas desarrollaremos el argumento de la obra Parsifal, Festival Escénico Sacro y descubriremos juntos su lenguaje simbólico.

 

Gaby Chavarini

The Arming and Departure of the Knights. Sir Edward Burne-Jones (1890s)

The Arming and Departure of the Knights. Sir Edward Burne-Jones (1890s)

 

 

 

Cuatro hombres: Canto y Sonido. Por Jiddu Krishnamurti

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“Había cuatro que estaban cantando, y aquello era puro sonido. Eran hombres tranquilos, de edad, desinteresados de las cosas mundanas, pero no por renunciación; simplemente no les atraía el mundo. Llevaban ropas viejas pero limpias, y sus rostros eran solemnes. Apenas os habríais fijado en ellos si hubieran pasado a vuestro lado en la calle. Pero, en cuanto empezaron a cantar, sus caras se transformaron y se volvieron radiantes, sin edad, y con el sonido de las palabras y con la poderosa entonación, creaban aquella extraordinaria atmósfera de una lengua muy antigua. Ellos eran las palabras, el sonido y el sentido. El sonido de las palabras tenían gran profundidad. No era la profundidad de un instrumento de cuerda o de un tambor, sino la profundidad de una voz humana sensible a la significación de las palabras santificadas por el tiempo y el uso. El canto era en ese idioma que ha sido pulido y perfeccionado, y su sonido llenaba la gran sala y penetraba las paredes, el jardín, la mente y el corazón. No era el sonido de un cantante en el escenario, sino que había el silencio que existe entre dos movimientos del sonido. Sentía uno su cuerpo inevitablemente conmovido por el sonido de las palabras, que entraba hasta la médula de los huesos. Estábamos sentados en completo silencio, y eso nos tenía cautivos de eso. No era un sonido que nos adormeciera, sino un sonido que nos sacudía y casi nos golpeaba. Era la profundidad y la belleza del tono puro, no turbado por el aplauso, por la fama y por el mundo; era el tono del que proviene todo sonido, toda música.
Un niño de unos tres años estaba sentado delante, sin moverse, tieso, con los ojos cerrados; no estaba dormido. Pasada una hora, se levantó rápidamente y se fue, sin ninguna timidez. Era igual a todos, porque el sonido de las palabras estaba en su corazón.
Nunca nos cansábamos durante aquellas dos horas; no queríamos movernos, y no existía el mundo, con todo su ruido. Poco después cesó el cántico y terminó el sonido; pero seguía en nuestro interior, y seguiría durante muchos días. Los cuatro se inclinaron y saludaron, y una vez más volvieron a ser los hombres de todos los días. Dijeron que habían practicado esta forma de canto durante más de diez años, y que ello había requerido gran paciencia y vida consagrada. Era un arte moribundo porque apenas hay nadie hoy dispuesto a dedicar su vida a este género de canto. No daba dinero no fama, ¿y quién querría entrar en esa clase de mundo? Les deleitaba mucho, decían, cantar ante personas que realmente apreciasen su esfuerzo. Luego siguieron su camino, pobres y perdidos en un mundo de estrépito, crueldad y codicia. Pero el río había escuchado, y estaba en silencio”.
Jiddu Krishnamurti

Fuente: Comentarios sobre el vivir, Tercera Serie; 1966, Editorial Kier.

Hallan un grabado rupestre paleolítico en la Península Ibérica

Los hallazgos han sido presentados hoy en San Sebastián por el diputado foral de Cultura de Gipuzkoa, Denis Itxaso, y el alcalde de Errenteria, Julen Mendoza, junto a los arqueólogos Diego Garate y Joseba Ríos y el espeleólogoJavier Busselo, de la Asociación Félix Ugarte, cuyos miembros han llevado a cabo de manera voluntaria los trabajos de prospección.

Son dos importantes descubrimientos en tres cuevas -Aitzbitarte III, V y IX- de la cadena de formaciones cársticas que alberga el monte del mismo nombre, muy visitado por los guipuzcoanos que lo conocen como zona de Landarbaso.

Las nuevas figuras rupestres encontradas pertenecen a dos periodos del Paleolítico Superior, al Gravetiense, que se sitúa entre hace 28.000 y 20.000 años, las localizadas en Aitzbitarte III y IX; y al Magdaleniense Medio, de hace 14.500 a 12.500 años, las de la V.

Todas las figuras de animales son grabados sobre las paredes de la cueva mediante instrumentos de sílex, aunque también hay alguna hecha con los mismos dedos sobre la arcilla de la propia cavidad.

Las populares cuevas deLandarbaso ya han dado lugar a descubrimientos arqueológicos materiales en Aitzbitarte IV, en excavaciones hechas en la década de los 60 que dirigió el antropólogoJosé Miguel Barandiarán y, más recientemente, en 2011, en las encabezadas por Jesús Altuna.

Sin embargo, los grabados descubiertos ahora no habían podido ser reconocidos, entre otros motivos, por su difícil visión, actualmente posible gracias a las tecnologías de iluminación fría LED, de distintos colores y que no dañan los restos.

“No son figuras vistosas porque no tienen color”, ha explicado el experto del Museo Arqueológico de Bilbao Diego Garate, quien sin embargo ha destacado que las nuevas expresiones artísticas en forma de grabados parietales “multiplican la importancia científica” del conjunto de las conocidas como cuevas de Landarbaso.

En Aitzbitarte V, el 17 de septiembre pasado, se hizo una prospección de sus galerías internas que dio lugar al descubrimiento de al menos 4 figuras de bisonte grabadas, por parejas y enfrentadas entre sí, en dos paredes distintas, que han sido datadas en el Magdaleniense Medio del Pirineo y la zona cantábrica, es decir, de hace 14.500 a 12.500 años.

Diez días después, el 27 de septiembre, los espeleólogos se adentraron en unas galerías o sumideros de acceso muy difícil de Aitzbitarte III y encontraron grabados en dos pisos inferiores.

En concreto, hallaron en una de estas galerías unos 6 animales grabados, mal conservados e incluso en algún caso recubiertos de coladas de calcita espesas. Entre ellos una cabeza de caballo hecha aprovechando un saliente rocoso.

En Aitzbitarte IX, se han detectado “seis paneles decorados con figuras superpuestas, ha indicado Garate, quien ha recalcado el gran valor de unos finos trazos que corresponden al morro, los cuernos y la giba de un bisonte de un estilo gráfico muy característico del Gavetiense francés, encontrado en cuevas sobre todo el pirineo galo, y que nunca se había detectado en ningún lugar de la cornisa cantábrica.

En realidad, ha subrayado Garate, es la única figura de este estilo, del periodo comprendido entre los 28.000 y 20.000 años de antigüedad, que ha sido descubierta en toda la península ibérica.

Según el arqueólogo, la importancia de estos nuevos hallazgos reside en que contribuyen de manera “sobresaliente” a “rellenar” el vacío que hasta hace pocos años existía sobre esta época del Paleolígico en la zona cantábrica.

Itxaso ha valorado la importante labor de prospección que, subvencionada por la Diputación, llevan a cabo grupos de voluntarios de varias asociaciones de Gipuzkoa, bajo la dirección de arqueólogos profesionales, y ha recordado que las principales cuevas del conjunto de Aitzbitarte están cerradas y protegidas.

Fuente: http://www.elmundo.es/pais-vasco/2015/11/20/564f3af922601d555f8b45b7.html

La Niña del siglo XIX

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La Niña del siglo XIX. 2015. Óleo sobre lienzo. 30 x 40 cm. Gaby Chavarini

En la pintura la técnica es una guía, pero en algún punto el trayecto siempre se vuelve incierto. Allí la complejidad y la gracia. Es que hay momentos durante la búsqueda de valores en que uno realmente vive un campo de batalla solo, contra sus propias inseguridades, contra sus propios apegos. Lo importante es no rendirse y seguir buscando la armonía que se presiente, el valor que internamente resuena, hasta que el punto de equilibrio en uno dice “es este”. La nota de la certeza impacta y nos vigoriza, abre camino y estimula la confianza…
Esto sucede al estudiante varias veces en el sutil vaivén entre la incertidumbre y la convicción hasta que encuentra “la nota” y se deja guiar por ella en una danza en la que pincel, el color y el artista forman parte del mismo organismo. En ese momento el “yo que pinta” se ausenta… No se busca reconocimiento, no se espera un resultado: se respira y se pinta con la misma naturalidad. Un estado donde se alcanza la beatitud, la felicidad… Se pinta porque es natural hacerlo, se pinta porque es pleno, se pinta porque pintar y amar es la misma cosa…

Así sucedió con La niña del siglo XIX. El proceso de la pintura fue intenso, desafiante y por ello maravilloso. Una labor bajo la tutela de un metódico profesor con un genuino respeto por la belleza, lo cual generó un espacio de aprendizaje y realización a consciencia.

Esta pintura ejecutada durante tres jornadas de siete horas cada una, sacó de mí una fuerza de voluntad que intuía, pero que no conocía ciertamente. Fue tal el empeño y la dedicación, que cuando terminó el trabajo me vi reflejada en la pequeña del cuadro. Sin saber estaba plasmando la imagen de “mi niña interior”; la niña milenaria, la niña redimida y redentora que mira hacia el futuro, antigua y consciente. Es una niña madura, es una niña del alma…
Expresar a esta infante mágica trajo consigo renovación en la búsqueda de autorrealización. Puso en marcha toda mi fuerza de voluntad y el resultado me transformó cabalmente. Me reflejó a la mujer que soy cuando expreso todo mi potencial.

La pintura es un misterio, “la pintura es para corazones valientes”… Uno se mete en un laberinto del cual no se está seguro de salir… cada pincelada es un intento intrépido por encontrar la nota que revele el rumbo a casa… aunque no seremos los mismos al descubrir la luz al final del camino: nos habremos transformado durante el itinerario, la salida nos encontrará más íntegros.

Gaby Chavarini

El seminario que dio lugar a esta pintura fue dictado por David Gray en Cleo Art Club, del 11 al 13 de septiembre  de 2015.

Pinturas rupestres de 20.000 años en la selva amazónica colombiana

Las pinturas rupestres del Parque Nacional Natural Serranía de Chiribiquete, ubicado en la selva colombiana, son de un valor excepcional no solo por su antigüedad, sino también porque ellas conservan el poderoso mensaje y cosmogonía de sus habitantes de antaño.

Pinturas rupestres fotografiadas en Cerro Campana, Chiribiquete. Foto de archivo: Francisco Forero Bonell / Ecoplanet

Pinturas rupestres fotografiadas en Cerro Campana, Chiribiquete. Foto de archivo: Francisco Forero Bonell / Ecoplanet

El director y productor Mike Slee. Ph.: Francisco Forero Bonell/Ecoplanet

El director y productor Mike Slee. Ph.: Francisco Forero Bonell/Ecoplanet

Hace unos meses el periódico The Guardian publicó el hallazgo de nuevas pinturas rupestres en el Parque Nacional Natural del Chiribiquete, ubicado en la selva amazónica colombiana. Esto sucedió durante el proceso de filmación de la película “Colombia: Magia Salvaje”, del documentalista británico Mike Slee. Éste, junto al fotógrafo Francisco Forero Bonell, capturaron desde un helicóptero imágenes de pinturas de 20.000 años de antigüedad que hasta hoy se habían mantenido inaccesibles para el hombre moderno.

Registro fotográfico de abrigos documentado durante la tercera expedición a la Sierra del Chiribiquete. Imágenes del Abigo de la Selva. (http://rupestreweb.tripod.com/chiribiquete.html)

Registro fotográfico de abrigos documentado durante la tercera expedición a la Sierra del Chiribiquete. Imágenes del Abigo de la Selva. (http://rupestreweb.tripod.com/chiribiquete.html)

Pintura rupestre procedente de otra zona de Chiribiquete en la que se puede observar una figura humana. (Carlos Castaño Uribe/Wikimedia Commons)

Pintura rupestre de Chiribiquete. Figura humana. (Carlos Castaño Uribe/Wikimedia Commons)

Las nuevas fotografías se suman al catálogo de pinturas paleolíticas del mencionado Parque Nacional, cuidadosamente estudiadas por expertos de todo el mundo. A través de ellas podemos conocer algo acerca del hombre que habitó la selva colombiana hace 20.000 años atrás hasta la conquista española. La iconografía se asocia a antiguos cazadores-recolectores, profundamente ligados al medio que habitaban, intercambiando con la Naturaleza –especialmente a través de la figura del Jaguar- toda la fuerza, la energía y el poder que esta pudiera ofrecerle.

Hay un elemento especialmente llamativo: la ausencia de materiales líticos y cerámicos importantes en el espacio en el que aparecen las pinturas. Esto daría cuenta de que el sitio no era de uso doméstico, si no que se trataba de un lugar sagrado y restringido.

Pinturas rupestres de otra zona de Chiribiquete en las que pueden observarse diferentes animales, huellas de manos y figuras antropomorfas. (Carlos Castaño Uribe/Wikimedia Commons)

Pinturas rupestres de otra zona de Chiribiquete en las que pueden observarse diferentes animales, huellas de manos y figuras antropomorfas. (Carlos Castaño Uribe/Wikimedia Commons) Clickear la imagen para verla en mayor tamaño.

Hace 20.000 años, el hombre buscó a través de la expresión pictórica un medio para comprender su vínculo con la Naturaleza; una suerte de diálogo desde una dimensión mágica, chamánica, sagrada, para comprenderse a sí mismo. Quizás nunca imaginó que legaría al futuro sus transformaciones y vivencias, que se denotan en la evolución de las figuras y el poder de su síntesis. Nosotros somos el futuro de aquel hombre “primitivo” y al ver las pinturas aun nos estremecemos ante la intensidad de los rojos y los ocres. En abrigos rocosos se halla el testimonio del hombre antiguo conectando con lo mágico a través de la pintura, para enriquecer su voluntad y obtener mayor vigor al enfrentar al reino animal que en aquel entonces lo superaba en número y fuerza. ¿Por qué nos conmueve este legado que atraviesa los milenios? ¿Qué en nosotros sintoniza con el hermano de antaño? Quizás la empatía con aquel hombre se deba a que comprendemos su búsqueda, y lo reconocemos como un intermediario entre la realidad física y una realidad invisible y trascendente. Hoy la cueva como espacio sagrado, podría ser el arquetipo de nuestro propio mundo interno. Hoy, en una espiral de evolución ascendente, nos motiva la imperiosa necesidad de avanzar, de domesticar al reino animal o naturaleza inferior que reside en nosotros. Y el Arte, como siempre, sigue siendo el vehículo que nos ayuda a comprender la existencia y a expresar el potencial que se vislumbra y que anhelamos habitar.
G. Ch.

Parque Nacional Natural Serranía de Chiribiquete. Ph.: Alvaro Gaviria

Parque Nacional Natural Serranía de Chiribiquete. Ph.: Alvaro Gaviria

Culturas del Pasado: Estatuas de la Isla de Pascua cubiertas de símbolos misteriosos

Las nuevas imágenes de la excavación realizadas en el año 2012 alrededor de las emblemáticas estatuas de la Isla de Pascua revelan que las famosas cabezas no sólo están conectadas a cuerpos gigantes, sino que además dichos cuerpos están cubiertos por diseños y símbolos misteriosos, que los investigadores han asociadoo a tatuajes.

Nuevas fotos revelan que las Estatuas gigantes Moai de Isla de Pascua están cubiertas de símbolos misteriosos

Nuevas fotos revelan que las Estatuas gigantes Moai de Isla de Pascua están cubiertas de símbolos misteriosos

El sitio News.com.au informa que una serie inédita de fotografías muestran en detalle a los cuerpos excavados de estos peculiares humanoides de piedra. Los arqueólogos se sorprendieron al encontrar que los cuerpos de piedra -protegidos de la intemperie del medio ambiente enterrados bajo el suelo- están decorados con detalles antiguos, remolinos y lunas, que podrían ser tatuajes.

Los investigadores dicen que las formas de la media luna podrían representan a las canoas de los polinesios locales, aunque esto es sólo una teoría.

Los detalles de las marcas son visibles. Crédito: The Easter Island Statue Project

Los detalles de las marcas son visibles. Crédito: The Easter Island Statue Project

El pueblo Rapa Nui que originalmente se asentó hace siglos en la isla, erigió 887 increíbles estatuas de piedras gigantes llamadas Moai. Los Moai han demostrado ser un misterio permanente con preguntas eternas; ¿cómo y por qué se construyeron?; ¿estaban enterrados a propósito o el tiempo enterró las estatuas bajo el cieno?; ¿por qué algunos de ellos están de cara al mar y otros hacia la isla?; ¿cómo fueron movidas las pesadas piedras alrededor de la isla?; ¿por qué algunas figuras soportan pesados ​​sombreros rojos de piedra? Los investigadores esperan responder a estas preguntas y muchas más con las investigaciones.

Moais (estatuas de piedra) en Ahu Nau, Anakena Beach, Isla de Pascua. Wikimedia Commons

Moais (estatuas de piedra) en Ahu Nau, Anakena Beach, Isla de Pascua. Wikimedia Commons

El Director del Easter Island Statue Project, Jo Anne Van Tilburg dice: “La razón por la que la gente piensa que son [sólo] cabezas es que hay cerca de 150 estatuas enterradas hasta los hombros en la ladera de un volcán, y estas son las más famosas, las más hermosas y las más fotografiadas de todas las estatuas de la isla de Pascua. Esto hace que las personas que no habían visto fotos de las [otras estatuas desenterradas] piensen que son sólo cabezas”, informa el sitio web de noticias IBTimes.

Las excavaciones iniciales de 1914 revelaron algunos de los cuerpos de las

Manos alrededor del ombligo  (Neil Howard / Flickr)

Manos alrededor del ombligo (Neil Howard / Flickr)

estatuas gigantes de roca volcánica, que pueden pesar hasta 88 toneladas y ser de hasta 10 metros de altura. Se pueden ver que algunas estatuas posicionan sus manos rodeando el ombligo.

Los académicos especulan que las estilizadas figuras podrían representar antepasados ​​o figuras tribales de alto estatus social. Existe la teoría de que la piedra se extraía en la isla, y luego eran talladas y decoradas en las canteras, y, finalmente, las estatuas “caminaban” lentamente a lo largo de las islas a sus posiciones finales como guardianes protección contra eventuales desastres.

El explorador y autor David Hatcher Childress escribió en un artículo de 2013:

Jean-Michel Schwartz dice en su libro de 1975 ‘Los misterios de la Isla de Pascua’ que él cree que las estatuas no fueron movidas por rodillos de madera o trineos, sino más bien que fue mediante el uso de cuerdas alrededor de las estatuas que hacían  “caminar” a las estatuas en la misma forma en que uno podríahacer caminar a un refrigerador; inclinándolo primero hacia un lado, moviendo la parte que está en el aire hacia adelante, y se acomoda otra vez. Mediante este método, se haría verdaderamente caminar a las estatuas de una manera alrededor de la isla.
Más tarde, un ingeniero mecánico checo llamado Pavel recreó este método junto con Thor Heyerdahl. Con otros veinte hombres, ataron cuerdas alrededor de una estatua y se inclinó de un lado a otro mientras tira de ella hacia adelante con la cuerda, una ligera variación en el método de Schwartz. El método funcionó, pero fue muy lento. Se trata de una ingeniosa teoría que tiene en cuenta a las leyendas de las estatuas que caminan […]

"Piedras andantes". Gentileza: NatGeo

“Piedras andantes”. Gentileza: NatGeo

La Isla de Pascua fue habitada entre el 300 dC y el 1200 dC por los polinesios, que con el tiempo se convirtieron en Rapa Nui. Entre los siglos X y XVI la comunidad de la isla se expandió de manera constante, con asentamientos que se establecieron a lo largo de prácticamente todo el litoral. Después de este período, sin embargo, la población tuvo un muy rápido descenso al pasar de 15.000 habitantes a aproximadamente 2.000. Teorías anteriores explican su desaparición como consecuencia de crisis económicas y sociales producto del deterioro del medio ambiente: deforestación que conduciría a la erosión de la tierra. Sin embargo, estudios recientes sugieren que la llegada de los europeos alrededor del 1700, la esclavitud y la viruela, son los factores que probablemente han devastado a la población de los Rapa Nui.

Continúan los trabajos en la isla a través de la dirección de investigaciones universitarias, y el Easter Island Statue Project, junto con la asistencia del pueblo Rapa Nui.

Se puede ver la galerías de imágenes de los descubrimientos de la Isla de Pascua en el sitio EISP.org, y en la red social Imgur.

Los famosos moais de Isla de Pascua (BigStockPhoto)

Los famosos moais de Isla de Pascua (BigStockPhoto)

Por Liz Leafloor

Traducción Gaby Chavarini

Nota Original: New Photos Reveal Giant Easter Island Moai Statues are Covered in Mysterious Symbols