La Sala secreta de Miguel Ángel

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Monica Bietti, actual directora del museo de las Capillas de los Medici, examina los bocetos en los muros de la cámara mientras sujeta un libro sobre el trabajo de Miguel Ángel.
FOTO: PAOLO WOODS, NATIONAL GEOGRAPHIC

 

En 1975, Paolo Dal Poggetto, el entonces director del museo de las Capillas de los Medici en Florencia, se tropezó con un tesoro del Renacimiento.

Mientras buscaba una nueva salida para los turistas, Dal Poggetto y sus colegas descubrieron una trampilla escondida tras un armario cerca de la Nueva Sacristía, una cámara diseñada para albergar las tumbas ornamentadas de los mandatarios Medici. Bajo la trampilla, unos peldaños de piedra llevaban a una sala oblonga llena de carbón que en un primer momento parecía solo un espacio de almacenamiento.

Sin embargo, Dal Poggetto y sus colegas descubrieron sobre los muros lo que parecían dibujos de carbón y tiza de las manos del famoso artista Miguel Ángel. Aunque la sala permanece cerrada al público para proteger las obras de arte, el fotógrafo de National Geographic Paolo Woods consiguió recientemente acceso para retratar su impresionante contenido.

Las obras de arte son visibles en la actualidad gracias a que Dal Poggetto decidió no correr riesgos cuando entró en la cámara por primera vez. Al encontrarlo en Florencia, hogar de muchos de los principales artistas renacentistas de la historia, sospechó que algo de valor podría encontrarse bajo las capas de yeso.

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El boceto aproximado de una figura humana parece planear sobre la pared de la cámara.
FOTO POR PAOLO WOODS, NATIONAL GEOGRAPHIC

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El dibujo de la cámara alberga un parecido sorprendente con la figura central en este esbozo de Miguel Ángel de “La caída de Faetón”.
FOTO POR MUSEO NACIONAL DE LAS GALERÍAS DE LA ACADEMIA DE VENECIA

«Cuando estamos en edificios tan antiguos, tenemos que prestar atención», explicaMonica Bietti, la sucesora de Dal Poggetto en las Capillas de los Medici.

Bajo la dirección de Dal Poggetto, los expertos pasaron semanas retirando meticulosamente el yeso con escalpelos. A medida que desaparecía esa cobertura, emergían docenas de dibujos, muchos de los cuales recordaban a las grandes obras de Miguel Ángel, incluyendo una escultura de mármol de una figura humana que adorna la tumba de Giuliano de’ Medici en la Nueva Sacristía, diseñada por el propio artista.

Dal Poggetto concluyó que el artista se refugió dentro de la cámara durante dos meses en 1530 para esconderse de la familia Medici. Una revuelta popular había condenado a los mandatarios Medici a exiliarse de la ciudad en 1527, y pese a su mecenazgo de sus obras anteriores, Miguel Ángel había traicionado a la familiaaliándose con sus conciudadanos florentinos en contra de su reinado.

Con su regreso al poder unos años más tarde, la vida del artista de 55 años se encontraba en peligro. «Obviamente, Miguel Ángel tenía miedo», explica Bietti, «y decidió quedarse en esta habitación».

Bietti sospecha que Miguel Ángel se pasó sus semanas de aislamiento haciendo balance de su vida y su arte. Los dibujos de las paredes representan las obras que pretendía finalizar, así como obras maestras que ya había completado años antes, según Bietti, incluyendo un detalle de la estatua de David (finalizada en 1504) y figuras de la Capilla Sixtina (presentada en 1512).

Más sobre arte: El arte de las aves a través de una realidad modificada

«Era un genio», afirma, impulsado por su creatividad sin límites. «¿Qué podía hacer allí? Simplemente dibujar».

Como suele ocurrir con el arte con siglos de antigüedad y sin firmas, es imposible confirmar los orígenes de las ilustraciones con certeza absoluta. Pero el consenso parece ser que algunos de los dibujos de los muros son demasiado amateur para pertenecer a Miguel Ángel. Sin embargo, la procedencia del resto sigue siendo una cuestión de opinión.

Tras su descubrimiento en 1975, una destacada autoridad de arte del Renacimiento catalogó la colección de bocetos como uno de los hallazgos artísticos más importantes del siglo XX. Sin embargo, William Wallace, estudioso de Miguel Ángel en la Universidad de Washington en St. Louis, permanece escéptico.

Wallace opina que Miguel Ángel era demasiado famoso como para esconderse en el nivel más bajo, ya que otro de sus mecenas le hubiera acogido. También sospecha que los dibujos se completaron con anterioridad, en la década de 1520, cuando Miguel Ángel y sus numerosos ayudantes se esforzaban por colocar ladrillos y cortar mármol para la Nueva Sacristía que estaban construyendo en el nivel superior.

Varios esbozos podrían ser originales de Miguel Ángel, según Wallace, pero otros probablemente eran representaciones de trabajadores que intentaban resolver dilemas artísticos o que simplemente se entretenían durante los descansos.

«Separar unos de otros es casi imposible», dice. Aun así, añade que el misterio de quién elaboró estos bocetos no les resta valor ni tampoco quita importancia al descubrimiento.

«Estar en esa sala es algo maravilloso. Te sientes privilegiado», afirma. «Te sientes más cerca del proceso de trabajo de un maestro y de sus alumnos y ayudantes».

La sala provoca una respuesta emocional entre los afortunados que pueden visitarla. Estar entre sus cuatro paredes, con la tenue iluminación de una ventana en la esquina, es como echar un vistazo a la mente de Miguel Ángel, cuya impresionante obra artística llena el edificio.

«Se trataba de una persona con capacidades infinitas», dice Wallace. «Vivió hasta los 89 años y nunca dejó de mejorar».

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Este rostro barbudo aparece entre los dibujos de los muros de la cámara.
FOTO POR PAOLO WOODS, NATIONAL GEOGRAPHIC

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El dibujo se parece a la cara de la estatua “Laocoonte y sus hijos”, una obra de arte antigua que inspiró a Miguel Ángel.
FOTO POR ERIC VANDEVILLE, GAMMA-RAPHO, GETTY IMAGES

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Uno de los muros de la cámara muestra estos dibujos de piernas sin cuerpo en diversas poses.
FOTO POR PAOLO WOODS, NATIONAL GEOGRAPHIC

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Las diversas piernas pintadas parecen ser un estudio para la estatua de Giuliano de’ Medici, que se encuentra sobre la tumba del mandatario en la Nueva Sacristía sobre la cámara oculta.

FUENTE: http://www.nationalgeographic.es/historia/2017/04/descubierta-una-sala-secreta-con-obras-maestras-perdidas-de-miguel-angel

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Parsifal – Festival Escénico Sacro – Parte I

Parsifal. Jean Delville

Parsifal. Jean Delville

El Origen

Corría el siglo XIII. La Provenza era un crisol de esencia mistérica: en aquella zona estaban vigentes el gnosticismo, en especial los Cátaros; la Orden de los Caballeros del Temple; la circulación de tratados alquímicos orientales; el Amor Cortés y el surgimiento de los trovadores. Bajo la influencia de tal crisol, fue inspirado un minnesänger bávaro llamado Wolfram von Eschenbach (ca. 1170 – ca. 1220). Él mismo, caballero de la corte de Hermann de Turingia, se transformaría en leyenda. Es que hasta hoy llegan sus seguidores que aún imaginan al poeta creando bajo la sobra de un tilo su más reconocida historia: Parzifal.

El Canto del Cisne de Richard Wagner

Uno de los corazones tocados por el contenido simbólico de los poemas de

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The Holy Grail is carried in. Arthur Rackham (

Parzifal y Titurel fue el compositor, poeta y dramaturgo alemán Richard Wagner (1813-1883). Basándose en el antiguo cuento de Wolfram, realizó su última obra: Parsifal, Festival Escénico Sacro, en tres actos. En ella magnifica la presencia del Grial, que en Wolfram aparece como “una piedra que debe ser de gran valor”, lapis exilis, y que en Wagner la encontramos transfigurada como la Copa que usó Jesús en la Última Cena, la misma que contuviera la sangre de Cristo cuando Longinos, soldado romano, al ver al Maestro crucificado y agónico, en un acto de legítima compasión puso fin a su sufrimiento clavando una lanza en su costado. Tanto la Lanza como el Grial, son reliquias que representan la presencia del Cristo en la tierra, el hombre divinizado, la magia de Redención y la posibilidad de la humanidad en cuanto al potencial de expresar su verdadera esencia: el amor puro, sin condiciones ni barreras ideológicas o intelectuales, sin preferencias, fanatismos o desbordes sentimentales. Ese Amor que se reconoce ante la manifestación del Respeto, el Orden, la Verdad y la Unidad…

Wagner, el buscador del Grial

 

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Parifal’s way to Montsalvat. Andre Kosslick. Digital Art.

Es imposible no identificar la búsqueda personal de Wagner en la composición de sus obras. Al advertir sus miserias y dificultades, buscó la redención en la religión, la mitología, los textos sagrados y las antiguas escuelas de misterios. De allí extrajo arquetipos que devuelven al mundo los valores e ideales que sirven como guía en la búsqueda de autorrealizacion, el regreso consciente al sí mismo. Así experimentó el compositor el efecto de una creación artística:

“Incluso la influencia de la óptica que nos rodeaba, y la atmósfera acústica, elevaban nuestras almas lejos del entorno ordinario; y la conciencia de esto era evidente ante el pensamiento de regresar a la realidad. Ser capaz de olvidar el mundo de fraude en esta verdadera imagen de ensueño parecerá el galardón y recompensa por la amarga sinceridad con que el hombre hubo de reconocer su estado de infortunio.”

El observar su propio “estado de infortunio” surge del definitivo hartazgo de vivir una realidad vacía de significado. Esto predispone al hombre a la búsqueda de respuestas a las preguntas fundamentales, auténtica motivación que lo guía, lo conduce y lo transforma. Esta indagación, análoga a la búsqueda del Santo Grial, sensibiliza al ser humano ante la expresión de la realidad del Alma cuando usa como puentes a los arquetipos que surgen en el Arte, esto que Wagner llama una “verdadera imagen de ensueño”

 

En las próximas entradas desarrollaremos el argumento de la obra Parsifal, Festival Escénico Sacro y descubriremos juntos su lenguaje simbólico.

 

Gaby Chavarini

The Arming and Departure of the Knights. Sir Edward Burne-Jones (1890s)

The Arming and Departure of the Knights. Sir Edward Burne-Jones (1890s)

 

 

 

Hallan un grabado rupestre paleolítico en la Península Ibérica

Los hallazgos han sido presentados hoy en San Sebastián por el diputado foral de Cultura de Gipuzkoa, Denis Itxaso, y el alcalde de Errenteria, Julen Mendoza, junto a los arqueólogos Diego Garate y Joseba Ríos y el espeleólogoJavier Busselo, de la Asociación Félix Ugarte, cuyos miembros han llevado a cabo de manera voluntaria los trabajos de prospección.

Son dos importantes descubrimientos en tres cuevas -Aitzbitarte III, V y IX- de la cadena de formaciones cársticas que alberga el monte del mismo nombre, muy visitado por los guipuzcoanos que lo conocen como zona de Landarbaso.

Las nuevas figuras rupestres encontradas pertenecen a dos periodos del Paleolítico Superior, al Gravetiense, que se sitúa entre hace 28.000 y 20.000 años, las localizadas en Aitzbitarte III y IX; y al Magdaleniense Medio, de hace 14.500 a 12.500 años, las de la V.

Todas las figuras de animales son grabados sobre las paredes de la cueva mediante instrumentos de sílex, aunque también hay alguna hecha con los mismos dedos sobre la arcilla de la propia cavidad.

Las populares cuevas deLandarbaso ya han dado lugar a descubrimientos arqueológicos materiales en Aitzbitarte IV, en excavaciones hechas en la década de los 60 que dirigió el antropólogoJosé Miguel Barandiarán y, más recientemente, en 2011, en las encabezadas por Jesús Altuna.

Sin embargo, los grabados descubiertos ahora no habían podido ser reconocidos, entre otros motivos, por su difícil visión, actualmente posible gracias a las tecnologías de iluminación fría LED, de distintos colores y que no dañan los restos.

“No son figuras vistosas porque no tienen color”, ha explicado el experto del Museo Arqueológico de Bilbao Diego Garate, quien sin embargo ha destacado que las nuevas expresiones artísticas en forma de grabados parietales “multiplican la importancia científica” del conjunto de las conocidas como cuevas de Landarbaso.

En Aitzbitarte V, el 17 de septiembre pasado, se hizo una prospección de sus galerías internas que dio lugar al descubrimiento de al menos 4 figuras de bisonte grabadas, por parejas y enfrentadas entre sí, en dos paredes distintas, que han sido datadas en el Magdaleniense Medio del Pirineo y la zona cantábrica, es decir, de hace 14.500 a 12.500 años.

Diez días después, el 27 de septiembre, los espeleólogos se adentraron en unas galerías o sumideros de acceso muy difícil de Aitzbitarte III y encontraron grabados en dos pisos inferiores.

En concreto, hallaron en una de estas galerías unos 6 animales grabados, mal conservados e incluso en algún caso recubiertos de coladas de calcita espesas. Entre ellos una cabeza de caballo hecha aprovechando un saliente rocoso.

En Aitzbitarte IX, se han detectado “seis paneles decorados con figuras superpuestas, ha indicado Garate, quien ha recalcado el gran valor de unos finos trazos que corresponden al morro, los cuernos y la giba de un bisonte de un estilo gráfico muy característico del Gavetiense francés, encontrado en cuevas sobre todo el pirineo galo, y que nunca se había detectado en ningún lugar de la cornisa cantábrica.

En realidad, ha subrayado Garate, es la única figura de este estilo, del periodo comprendido entre los 28.000 y 20.000 años de antigüedad, que ha sido descubierta en toda la península ibérica.

Según el arqueólogo, la importancia de estos nuevos hallazgos reside en que contribuyen de manera “sobresaliente” a “rellenar” el vacío que hasta hace pocos años existía sobre esta época del Paleolígico en la zona cantábrica.

Itxaso ha valorado la importante labor de prospección que, subvencionada por la Diputación, llevan a cabo grupos de voluntarios de varias asociaciones de Gipuzkoa, bajo la dirección de arqueólogos profesionales, y ha recordado que las principales cuevas del conjunto de Aitzbitarte están cerradas y protegidas.

Fuente: http://www.elmundo.es/pais-vasco/2015/11/20/564f3af922601d555f8b45b7.html

Pinturas rupestres de 20.000 años en la selva amazónica colombiana

Las pinturas rupestres del Parque Nacional Natural Serranía de Chiribiquete, ubicado en la selva colombiana, son de un valor excepcional no solo por su antigüedad, sino también porque ellas conservan el poderoso mensaje y cosmogonía de sus habitantes de antaño.

Pinturas rupestres fotografiadas en Cerro Campana, Chiribiquete. Foto de archivo: Francisco Forero Bonell / Ecoplanet

Pinturas rupestres fotografiadas en Cerro Campana, Chiribiquete. Foto de archivo: Francisco Forero Bonell / Ecoplanet

El director y productor Mike Slee. Ph.: Francisco Forero Bonell/Ecoplanet

El director y productor Mike Slee. Ph.: Francisco Forero Bonell/Ecoplanet

Hace unos meses el periódico The Guardian publicó el hallazgo de nuevas pinturas rupestres en el Parque Nacional Natural del Chiribiquete, ubicado en la selva amazónica colombiana. Esto sucedió durante el proceso de filmación de la película “Colombia: Magia Salvaje”, del documentalista británico Mike Slee. Éste, junto al fotógrafo Francisco Forero Bonell, capturaron desde un helicóptero imágenes de pinturas de 20.000 años de antigüedad que hasta hoy se habían mantenido inaccesibles para el hombre moderno.

Registro fotográfico de abrigos documentado durante la tercera expedición a la Sierra del Chiribiquete. Imágenes del Abigo de la Selva. (http://rupestreweb.tripod.com/chiribiquete.html)

Registro fotográfico de abrigos documentado durante la tercera expedición a la Sierra del Chiribiquete. Imágenes del Abigo de la Selva. (http://rupestreweb.tripod.com/chiribiquete.html)

Pintura rupestre procedente de otra zona de Chiribiquete en la que se puede observar una figura humana. (Carlos Castaño Uribe/Wikimedia Commons)

Pintura rupestre de Chiribiquete. Figura humana. (Carlos Castaño Uribe/Wikimedia Commons)

Las nuevas fotografías se suman al catálogo de pinturas paleolíticas del mencionado Parque Nacional, cuidadosamente estudiadas por expertos de todo el mundo. A través de ellas podemos conocer algo acerca del hombre que habitó la selva colombiana hace 20.000 años atrás hasta la conquista española. La iconografía se asocia a antiguos cazadores-recolectores, profundamente ligados al medio que habitaban, intercambiando con la Naturaleza –especialmente a través de la figura del Jaguar- toda la fuerza, la energía y el poder que esta pudiera ofrecerle.

Hay un elemento especialmente llamativo: la ausencia de materiales líticos y cerámicos importantes en el espacio en el que aparecen las pinturas. Esto daría cuenta de que el sitio no era de uso doméstico, si no que se trataba de un lugar sagrado y restringido.

Pinturas rupestres de otra zona de Chiribiquete en las que pueden observarse diferentes animales, huellas de manos y figuras antropomorfas. (Carlos Castaño Uribe/Wikimedia Commons)

Pinturas rupestres de otra zona de Chiribiquete en las que pueden observarse diferentes animales, huellas de manos y figuras antropomorfas. (Carlos Castaño Uribe/Wikimedia Commons) Clickear la imagen para verla en mayor tamaño.

Hace 20.000 años, el hombre buscó a través de la expresión pictórica un medio para comprender su vínculo con la Naturaleza; una suerte de diálogo desde una dimensión mágica, chamánica, sagrada, para comprenderse a sí mismo. Quizás nunca imaginó que legaría al futuro sus transformaciones y vivencias, que se denotan en la evolución de las figuras y el poder de su síntesis. Nosotros somos el futuro de aquel hombre “primitivo” y al ver las pinturas aun nos estremecemos ante la intensidad de los rojos y los ocres. En abrigos rocosos se halla el testimonio del hombre antiguo conectando con lo mágico a través de la pintura, para enriquecer su voluntad y obtener mayor vigor al enfrentar al reino animal que en aquel entonces lo superaba en número y fuerza. ¿Por qué nos conmueve este legado que atraviesa los milenios? ¿Qué en nosotros sintoniza con el hermano de antaño? Quizás la empatía con aquel hombre se deba a que comprendemos su búsqueda, y lo reconocemos como un intermediario entre la realidad física y una realidad invisible y trascendente. Hoy la cueva como espacio sagrado, podría ser el arquetipo de nuestro propio mundo interno. Hoy, en una espiral de evolución ascendente, nos motiva la imperiosa necesidad de avanzar, de domesticar al reino animal o naturaleza inferior que reside en nosotros. Y el Arte, como siempre, sigue siendo el vehículo que nos ayuda a comprender la existencia y a expresar el potencial que se vislumbra y que anhelamos habitar.
G. Ch.

Parque Nacional Natural Serranía de Chiribiquete. Ph.: Alvaro Gaviria

Parque Nacional Natural Serranía de Chiribiquete. Ph.: Alvaro Gaviria

El Dolmen mágico de Dalí

Foto: Carlos Viñas

Foto: Carlos Viñas

Desde la antigüedad el lenguaje simbólico permite transferir mensajes de trascendencia, mensajes que no pueden completar las palabras ya que requieren de la chispa de entendimiento que sella al receptor cuado logra  la captación global de lo que es. Las catedrales, los monumentos antiguos, el lenguaje alquímico, se sirvieron de cánones que remiten a la noche de los tiempos y que a la vista de todos sobrecogen al espectador, pero sólo “hablan” a quienes tengan el conocimiento para comprender su significado. El dolmen de Dalí, creado en 1986 para la plaza de Felipe II (personaje, por dalidolmencierto, muy vinculado al conocimiento mistérico) posee la cualidad de hablarnos en tal lenguaje simbólico: Todo en su composición posee una clave dispuesta para quien quiera leer el mensaje que dejó el maestro para la posteridad.

Su origen

En el año 1985 el alcalde Tierno Galván autorizó colocar en Puerta del Sol, una de las principales Plazas de Madrid, el primer cartel de la exposición “Viva la Gala!” realizada en memoria de la musa y esposa de Dalí. El artista agradecido profundamente por el gesto, otorgó al alcalde un bastón que había pertenecido a Víctor Hugo. Así mismo Tierno Galván le dedicó un espacio en Madrid.

El diseño

El monumento consta de un dolmen con forma de trípode de 13,13 mts., y 8 mts. más adelante una figura de bronce dedicada al científico Isaac Newton, sobre un pedestal cúbico. El diseño está basado en una obra preexistente del autor, “Fosfeno de Laporte” (1932) dedicada también a otro gran científico e investigador de las ciencias ocultas, Giovanni Battista della Porta.

Estudio de los Elementos: la simbología

Dolmen. Pavimento original antes de la reforma.

Dolmen. Pavimento original antes de la reforma.

El Dolmen (del bretón Dol, mesa; Men, piedra) o  “Mesa de piedra grande”, es un conjunto megalitico de carácter funerario según algunos expertos, ya que en alunos ejemplares construídos por distintos pueblos de la antigüedad se han encontrado osamentas humanas. Pero también se los interpreta como altares para rituales relacionados con la Naturaleza, por ello algunas fuentes le aportan un simbolismo relativo a la fertilidad y a la Gran Madre (a diferencia de los menhires que representan la dimensión masculina). Las tres columnas hacia el techo del dolmen en forma tienen un carácter solar, representando cada soporte según Dontenville “el levante, el cenit y el poniente”. La antigua losa diseñada originalmente para la plaza, que fue levantada y reemplazada en el año 2002, también reforzaba la impronta solar, a través de rayos que salían desde el centro del monumento hacia la extensión del predio y conclu”ian en una serie de círculos concéntricos.

El número 13. El dolmen mide a pedido del autor, exactamente 13,13 mts y fue inaugurado el 17 de julio de 1986 a las 13:13 hs.. Tal número es de gran relevancia en el Tarot, conjunto de cartas que sintetiza el sendero del héroe. El número 13 representa la muerte o la trascendencia de

Dolmen de 13,13 mts., inaugurado en la Plaza de Felipe II a las 13:13 hs del 17 de julio de 1986.

Dolmen de 13,13 mts., inaugurado en la Plaza de Felipe II a las 13:13 hs del 17 de julio de 1986.

vuelta hacia el origen, el encuentro con la inmortalidad del alma. Esto se expresa a través de la relación entre el Mago (arcano 1) frente a la Naturaleza representada por la figura de la Emperatriz (arcano 3). Mientras el obrar común conserva en demasía elementos que tarde o temprano han de morir o ser renovados (sistema de creencias, condicionamientos, tradiciones), elementos que precipitan (ley de gravedad?), y se cristalizan en la personalidad, El Mago experimenta este vínculo viajando a la velocidad de la trinidad (algo nace, se conserva por un tiempo y muere para dar lugar a un nuevo nacimiento). No cae en la trampa del exceso de conservación, experimentando una constante renovación que le provee del don de la Inmortalidad en la conciencia.

El pedestal. El pedestal es un cubo de granito negro. Posee en cada cara visible una letra dorada del nombre “Gala”, quedando la “G” de gravedad, justo debajo de la figura del científico. El cubo se utiliza como símbolo del dominio de la materia física y mental, esto es el obrar conciente; sumado al dorado como símbolo solar, algunos expertos afirman que refiere a la Conciencia Solar.

Isaac Newton. Científico iniciado en los misterios, alquimista, rosacruz, pulgar2cabalista. La escultura está realizada en bronce patinado en negro, con gran expresión de movimiento, de avanzar. Su pie derecho está fragmentado, lo cual remite a los mitos de dioses herreros o dioses cojos, tales como Hefesto, cuya imperfección no imposibilitó el alcance de sus máximas proezas. Al lado del pie derecho se encuentra un pulgar suelto. Esto puede aludir a una frase que se le adjudica al científico: “A falta de otra prueba, el dedo pulgar por sí solo me convencería de la existencia de Dios”; aunque también puede ser una referencia al hecho de que antes que él, otros avanzaron por el mismo sendero y marcaron el camino, remitiendo a otra frase que siendo de Bernardo de Chartres (s.XII) se popularizó gracias a Newton: “Si he logrado ver más lejos, ha sido porque he subido a hombros de gigantes”.

newton culoEl tronco de la figura está horadado y dentro en su centro, a modo de corazón, hay una esfera pendular equivalente a la que afuera pende de un hilo sostenido por su mano, haciendo gráfico el principio hermético de correspondencia: “Como arriba es abajo, como abajo es arriba” .

SONY DSCCabeza con forma de huevo ahuecado. El huevo en muchas culturas es símbolo de una realidad primordial que contiene en germen de la creación. Representa el poder creador de la luz, la totalidad y a su vez, la renovación periódica de la naturaleza. Símbolo de renacimiento,emblema de inmortalidad y trascendencia. Tanto el huevo como la esfera son simbolos de completud en sí mismos. La cabellera del personaje en movimiento cierran la idea de estar en el camino de búsqueda de la perfección a la que aspira.

Conclusión

La importancia de esta obra radica en que se trata de la única plaza que Dalí diseñó en el mundo y en ella dejó ciertamente un legado. El conjunto remite a la impronta simbólica que evoca el Tarot, sistema que Dalí conocía muy bien ya que en su día fue el autor de una especialísima visión de los arcanos que sintetizan el sendero del héroe. Nos da la idea de haber dejado a través de esta obra un testamento, un legado: su concepción del cosmos. Un cosmos donde elementos femeninos y masculinos se complementan, otorgando la primordial idea de evolución y de movimiento hacia un hombre y una mujer nuevos, con visión científica sobre sí mismo, en el sentido de búsqueda inquieta, objetiva, precisa y curiosidad inagotable. Sacar afuera lo que está adentro, aportando la originalidad que alberga en cada persona, invitándonos a superar toda adversidad y recordándo que no estamos solos: otros, como él lo hiciera, ya transitaron el sendero mítico dejándo en el mismo claves, allanando el terreno para quien quiera investigar y completar la búsqueda del ser.

Gaby Chavarini

Links:

http://www.plazadedali.com/

http://www.ivoox.com/plaza-dali-audios-mp3_rf_3437120_1.html

Un Pacto y una Bandera por la Paz: El Pacto Roerich

El Pacto Roerich y la Bandera de la Paz fueron creados y promovidos por Nicolás Roerich, con el fin de proteger los tesoros del genio humano de todo Tiempo y Cultura…

Saint Sophia the almighty wisdom. NIcholas Roerich, 1932.

Saint Sophia the almighty wisdom. NIcholas Roerich, 1932.

Pacto Roerich

Firma del Pacto Roërich. 15 de abril de 1935, Despacho Oval de la Casa Blanca, E.E.U.U.

Firma del Pacto Roerich. 15 de abril de 1935, Despacho Oval de la Casa Blanca, E.E.U.U.

El Pacto Roerich, fue creado con el fin de proteger los tesoros del genio humano, estableciendo que las instituciones educativas, artísticas, científicas y religiosas, así como los lugares de relevancia cultural, debían ser declarados inviolables, y ser respetados por todas las naciones, tanto en tiempos de guerra como en tiempos de paz. Fue firmado el 15 de Abril de 1935 en el Despacho Oval de la Casa Blanca, en presencia del entonces Presidente de los Estados Unidos Franklin D. Roosevelt, por representantes de 21 gobiernos de toda América, miembros de la Unión Panamericana. Como embajador de la República Argentina firmó el doctor Felipe Espil.

Quién fue Nicolás Roerich

Nicolás Roerich (1874-1947)

Nicolás Roerich (1874-1947)

Nicolás Roerich  (1874-1947) fue pintor, filósofo, escritor y explorador ruso de gran poder personal. Estudió Derecho y Pintura, ambos con mucho éxito. Se casó con Helena Shaposhnikova, quien más tarde desarrolló la filosofía Agni Yoga. Trabajó también como diseñador de vestuario y escenografía para varias óperas, entre ellas Tristán e Isolda de Richard Wagner y ballets de Maurice Maeterlinck y de Igor Stravinsky. Creó el Instituto Maestro de Artes Unidas en Nueva York, donde trató de unir a todas las artes en un mismo lugar, ofreciendo clases de música, pintura, escultura, arquitectura, ballet y teatro, así como conferencias, conciertos y exposiciones. Pero su obra más destacada fue el compromiso con la Cultura de Paz y la auténtica necesidad de que esta sea extendida a nivel planetario, probablemente como resultado de sus múltiples viajes a los más recónditos lugares del mundo y el despertar de la Conciencia de Unidad que ello le hubiera conferido.

Frances Grant, humilde trabajadora por la Paz

Madonna Laboris. Nicolás Roerich, 1933

Madonna Laboris. Nicolás Roerich, 1933

Periodista y escritora norteamericana, Frances Grant (1896-1993) fue pionera en las Relaciones Públicas entre Estados Unidos y América Latina. En 1920 conoció a la familia Roerich, convirtiéndose inmediatamente su leal representante y dispensadora de la Cultura de Paz. De su muy destacado trabajo, como fundar la Institución Asociación Panamericana de

Francis Grant con Victor Raul Haya de la Torre (Perú), 1965.

Francis Grant con Victor Raul Haya de la Torre (Perú), 1965.

la Mujer (PAWA) para exaltar de la cultura y el arte nativos, el intercambio cultural y el desarrollo de las mujeres; o ser nombrada Secretaria General de la Sección de la Liga Internacional de los Derechos Humanos en América Latina; hoy hacemos incapié en su imprescindible rol como representante de las relaciones culturales en América, ya que esto dio lugar a la firma unánime del Tratado de la Cultura y la Paz en 1935 por las 21 naciones de la Unión Panamericana.
Su obrar siempre fue desde un lugar humilde, lejos de esperar reconocimiento para sí, y a su vez sumamente efectivo, movida por la fuerza y la confianza de quien es respaldado por un propósito mayor como fue el suyo y el de la familia Roerich, de sembrar la Conciencia de Unidad respetando la diversidad que ofrecen todas las culturas de nuestro mundo.

La Bandera de Paz

Cristo Rodeado de Ángeles (fragmento). Hans Memling, 1480.

Cristo Rodeado de Ángeles (fragmento). Hans Memling, 1480.

En color magenta tres esferas que simbolizan la Espiritualidad, el Arte y la Ciencia, contenidas por un círculo que representa la Cultura sobre un fondo blanco. Este símbolo cuya antigüedad se pierde en la noche de los tiempos, se encuentra por ejemplo, en piedras de Mongolia del periodo paleolítico, en estandartes budistas o en el Cristo que Hans Memling pintó en 1480. Por su valor y reconocimiento universal se elije este símbolo para representar las diferentes manifestaciones del hombre del Pasado, Presente y Futuro, dentro del círculo de la Eternidad. Hoy cada embajador de Paz que la recibe a través de organismos como Fundación Paz Ecología y Arte , Mil Milenios y el Consejo de Paz de Argentina, conoce el profundo significado que ella enarbola.

Reflexión Final

El Pacto Roerich fue un llamado a la Unidad del Mundo. Sembró un nuevo cimiento para el futuro. Un futuro en que los líderes de la humanidad se unen en pos de un mismo propósito, en beneficio de todos. Un futuro en el que la Cultura de Paz es la sólida consecuencia de la consumada integridad del hombre, respetándose a sí mismo, a su entorno y a sus creaciones a través del tiempo. Reconociendo el gran valor histórico y de recapitulación que proveen obras, monumentos y documentos que civilizaciones del pasado nos han legado. Reconociendo la magnificencia de la creación, cuando el hombre se funde con la naturaleza a través del Arte, la Ciencia y la Espiritualidad, cooperando al unísono dentro y fuera de uno. El Pacto Roerich capturó una visión de Futuro que hemos de co-crear como individuos hoy, para que a su tiempo precipite como la realidad de una sociedad consciente.

Madonna Oriflamma, Nicolás Roërich. 1932

Madonna Oriflamma, Nicolás Roërich. 1932

“Las ideas no mueren, dormitan a veces, pero al despertarse son aún más fuertes de lo que eran antes de su sueño. No ha muerto la Bandera de la Paz. Se ha ocultado, mientras se cometan atrocidades en la guerra. Pero llegará la hora, en que [los seres humanos] de nuevo se dirigirán conscientemente a la custodia de los valores culturales, a esta base verdadera del mundo. Y no solamente ondea la Bandera de la Paz sobre los valores culturales: Ella ondea sobre el corazón humano, aquel gran tesoro, donde está creado el futuro renovado”.
Nicolás Roerich, 1944.

Gaby Chavarini

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Madonna the protector, Roerich, 1933.

Links

Pacto Roerich y Bandera de Paz. Fundación Paz Ecología y Arte

Comité Internacional de la Bandera de Paz

Firma del Pacto Roerich. Página oficial del Museo Roerich N.Y. (En Inglés)

El Misterio del Hombre Revelado: El Proceso Crístico

“Sólo cuando hayamos dominado la significación del servicio y del sacrificio, puede revelársenos en su verdadero sentido la realidad de la inmortalidad”. Alice Bailey

Nada en materia humana nos afecta más que la cuestión de la Vida y la Muerte.

El Hombre-Dios. Jean Delville.

El Hombre-Dios. Jean Delville.

La certeza de que hemos nacido en este mundo y la incertidumbre de no saber cuándo hemos de partir. La exaltación por la vida y el temor a la muerte parecen encerrar nuestra experimentación dentro de una dualidad sobre la que no tenemos control. Sin embargo, basta observar la Naturaleza para intuir la salida, el camino hacia la Libertad última a la que puede aspirar el Hombre. Todo en ella responde a un ciclo. Algo nace, se conserva un tiempo y muere para dar lugar a un nuevo nacimiento. Si un fruto maduro cae de un árbol, ha de descomponerse para brindar su semilla a la tierra y que la simiente en su desarrollo de lugar a un árbol nuevo que proveerá de más frutos. En este sencillo ejemplo se oculta el proceso de Resurrección, la salida de la dualidad entre la Vida y la Muerte.

Resurrección de Cristo. Peter Paul Rubens.

Resurrección de Cristo. Peter Paul Rubens.

Pero vencer tal dualidad es el mayor desafío al que se puede aspirar. Se trata de un largo proceso. La visión individualista, el enfoque puesto en nuestro propio provecho, esta actitud en la que caemos inconscientemente por hábito muchas veces motivados por una suerte de instinto de supervivencia que pertenece más al reino animal que al humano, todo ello se vence a la luz de la toma de decisiones conscientes. El propósito ya no es sobrevivir, sino dar todo de uno por servicio, por A-mor

Grandes Iniciados

Sea como mitos, leyendas o credos, llega a hasta nosotros el arquetipo del hombre que vence su naturaleza inferior en pos de un bien mayor, descubriendo en el camino la realidad de su Naturaleza Superior. Apolo y Dionisio griegos, Hércules romano, Mitra persa, Adonis sirio, Isis, Osiris y Horus en Egipto, Krishna hindú, Indra y Budha en Nepal y Tibet, Quetzalcoatl en México… Llegan

Anubis, dios de la resurrección, embalsama al dios Osiris y lo vuelve a la vida al tercer día de muerto.

Anubis, dios de la resurrección, embalsama al dios Osiris y lo vuelve a la vida al tercer día de muerto.

hasta nosotros los ecos de seres que se desafiaron y cruzaron las grandes aguas hasta convertirse en Grandes Iniciados. Casi todos ellos nacieron de Madre Virgen bajo el solsticio de diciembre o fechas aledañas, en una caverna o cámara subterránea; trabajaron para servir a la Humanidad; se los llamó mediadores, sanadores, liberadores, salvadores; fueron tentados por la oscuridad, descendieron a los infiernos o al inframundo; resucitaron de entre los muertos a los tres días y el pueblo los reconoció como precursores que abrieron las puertas del Reino Divino.
Y esto no es casualidad. Antiguas Escuelas de Misterios sintetizaron el triunfo de la Naturaleza Divina a la que accedería el hombre consciente a través del Proceso Iniciático. Un proceso arduo que consta de varios pasajes o iniciaciones, que son episodios que lo transforman progresivamente y la experimentación consciente de los mismos produce la gran transformación.

El Proceso Iniciático

Estos estadios o iniciaciones fueron por mucho tiempo vedados a ojos profanos.

El Bautismo. Gustave Doré.

El Bautismo. Gustave Doré.

Frente a un nuevo ciclo por venir, se sintetizó en el Cristo el paso y el mensaje de todos los Grandes Iniciados que lo precedieron, añadiendo la cualidad sacra y profunda del Amor en su magnánimo significado. La revelación de un único mandamiento al cual se adhiere todo corazón puro: “Amaos los unos a los otros”. En ello se encierra el Servicio, el Sacrificio, la Humildad y la Sabiduría.

Allí es donde el camino del héroe queda revelado ante toda la humanidad, aunque es menester para su completa revelación, desarrollar “ojos para ver y oídos para oir”. Apenas comprendemos que el Nacimiento en una cueva de Belén, representa el nacimiento de la célula Crística en el corazón del hombre. Que el Bautismo en el Jordán representa la redención y superación de nuestro reactivo e instintivo cuerpo emocional. La Transfiguración en la Montaña como la

El Cáliz de Cristo. Nicolás Roerich, 1925.

El Cáliz de Cristo. Nicolás Roerich, 1925.

elevación por sobre la oscuridad, el dominio de la materia mental, la formación consciente de pensamientos constructivos que colaboran con un propósito lumínico, la fusión del Alma y la personalidad. La Crucifixión responde al renunciamiento, grandes sacrificios y sufrimiento como transición entre la vida temporal a la vida eterna; pero apenas podemos imaginar lo que ello verdaderamente significa. Finalmente, para nuestra capacidad de comprensión, la Resurrección, en palabras de Michel Coquet: “una de las verdades más profundas de la ciencia secreta. Su espíritu iluminado le

La Ascención de Cristo. Salvador Dalí.

La Ascención de Cristo. Salvador Dalí.

permite comprender leyes más complejas que actúan en el universo manifestado. Adquiere, entre otros, el poder de dominar las energías de la luz y del sonido, y comienza a percibir mejor la presencia de su propia mónada <adumbrante>, gracias a la cual puede comulgar con el gran Ser que anima todas las cosas: El Logos Planetario.”

De la Naturaleza Humana a la Naturaleza Divina.

El proceso Crístico, especialmente su Resurrección, nos revela la precipitación de un Quinto Reino en la tierra tras la superación de las limitaciones de la materia. La autora Alice Bailey decía en su libro De Belén al Calvario: “La clave para la derrota de la muerte y los procesos para comprender el significado y el carácter de la eternidad y de la continuidad de la vida, pueden ser revelados sin peligro sólo cuando el amor se posesione en la conciencia humana y cuando el bien para el todo, y no el bienestar egoísta del individuo, se considere como supremo.”

En Pascuas gran parte del mundo expresa la convicción de que existió un Cristo resurreccion_Cristoque venció a la muerte mediante el proceso de Resurrección. La búsqueda de la Inmortalidad, eje transversal de la existencia humana que se registra desde la epopeya de Gilgamesh pasando por el conocimiento alquímico, se nos revela a través del Cristo como un proceso paulatino en el que se ponen bajo rigurosa prueba nuestros verdaderos fines. Todo aquello que trabaja para el propio bienestar, el deseo de reconocimiento, el éxito personal, la ambición de poder, la posesión, están profundamente arraigados en los hábitos del ser humano, abalados por el sistema imperante y una parte muy astuta de nuestra mente que lo justifica. Sin embargo, podemos concientemente agudizar los sentidos ante una autoevaluación en la que nos preguntamos a quién sirven nuestros actos, pensamientos, emociones y palabras. Al cotejar si sirve al regocijo de nuestro propio ego, debemos decidir si enfrentamos el miedo a lo desconocido y nos arriesgamos por la muerte del yo, para dar lugar a un nuevo ser humano en nosotros mismos aquel que intuímos, aquel que sirve por Amor a la humanidad y a la creación toda.

Gaby Chavarini

La Resurrección. Pericle Fazzini, 1970.

La Resurrección. Pericle Fazzini, 1970.