La Sala secreta de Miguel Ángel

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Monica Bietti, actual directora del museo de las Capillas de los Medici, examina los bocetos en los muros de la cámara mientras sujeta un libro sobre el trabajo de Miguel Ángel.
FOTO: PAOLO WOODS, NATIONAL GEOGRAPHIC

 

En 1975, Paolo Dal Poggetto, el entonces director del museo de las Capillas de los Medici en Florencia, se tropezó con un tesoro del Renacimiento.

Mientras buscaba una nueva salida para los turistas, Dal Poggetto y sus colegas descubrieron una trampilla escondida tras un armario cerca de la Nueva Sacristía, una cámara diseñada para albergar las tumbas ornamentadas de los mandatarios Medici. Bajo la trampilla, unos peldaños de piedra llevaban a una sala oblonga llena de carbón que en un primer momento parecía solo un espacio de almacenamiento.

Sin embargo, Dal Poggetto y sus colegas descubrieron sobre los muros lo que parecían dibujos de carbón y tiza de las manos del famoso artista Miguel Ángel. Aunque la sala permanece cerrada al público para proteger las obras de arte, el fotógrafo de National Geographic Paolo Woods consiguió recientemente acceso para retratar su impresionante contenido.

Las obras de arte son visibles en la actualidad gracias a que Dal Poggetto decidió no correr riesgos cuando entró en la cámara por primera vez. Al encontrarlo en Florencia, hogar de muchos de los principales artistas renacentistas de la historia, sospechó que algo de valor podría encontrarse bajo las capas de yeso.

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El boceto aproximado de una figura humana parece planear sobre la pared de la cámara.
FOTO POR PAOLO WOODS, NATIONAL GEOGRAPHIC

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El dibujo de la cámara alberga un parecido sorprendente con la figura central en este esbozo de Miguel Ángel de “La caída de Faetón”.
FOTO POR MUSEO NACIONAL DE LAS GALERÍAS DE LA ACADEMIA DE VENECIA

«Cuando estamos en edificios tan antiguos, tenemos que prestar atención», explicaMonica Bietti, la sucesora de Dal Poggetto en las Capillas de los Medici.

Bajo la dirección de Dal Poggetto, los expertos pasaron semanas retirando meticulosamente el yeso con escalpelos. A medida que desaparecía esa cobertura, emergían docenas de dibujos, muchos de los cuales recordaban a las grandes obras de Miguel Ángel, incluyendo una escultura de mármol de una figura humana que adorna la tumba de Giuliano de’ Medici en la Nueva Sacristía, diseñada por el propio artista.

Dal Poggetto concluyó que el artista se refugió dentro de la cámara durante dos meses en 1530 para esconderse de la familia Medici. Una revuelta popular había condenado a los mandatarios Medici a exiliarse de la ciudad en 1527, y pese a su mecenazgo de sus obras anteriores, Miguel Ángel había traicionado a la familiaaliándose con sus conciudadanos florentinos en contra de su reinado.

Con su regreso al poder unos años más tarde, la vida del artista de 55 años se encontraba en peligro. «Obviamente, Miguel Ángel tenía miedo», explica Bietti, «y decidió quedarse en esta habitación».

Bietti sospecha que Miguel Ángel se pasó sus semanas de aislamiento haciendo balance de su vida y su arte. Los dibujos de las paredes representan las obras que pretendía finalizar, así como obras maestras que ya había completado años antes, según Bietti, incluyendo un detalle de la estatua de David (finalizada en 1504) y figuras de la Capilla Sixtina (presentada en 1512).

Más sobre arte: El arte de las aves a través de una realidad modificada

«Era un genio», afirma, impulsado por su creatividad sin límites. «¿Qué podía hacer allí? Simplemente dibujar».

Como suele ocurrir con el arte con siglos de antigüedad y sin firmas, es imposible confirmar los orígenes de las ilustraciones con certeza absoluta. Pero el consenso parece ser que algunos de los dibujos de los muros son demasiado amateur para pertenecer a Miguel Ángel. Sin embargo, la procedencia del resto sigue siendo una cuestión de opinión.

Tras su descubrimiento en 1975, una destacada autoridad de arte del Renacimiento catalogó la colección de bocetos como uno de los hallazgos artísticos más importantes del siglo XX. Sin embargo, William Wallace, estudioso de Miguel Ángel en la Universidad de Washington en St. Louis, permanece escéptico.

Wallace opina que Miguel Ángel era demasiado famoso como para esconderse en el nivel más bajo, ya que otro de sus mecenas le hubiera acogido. También sospecha que los dibujos se completaron con anterioridad, en la década de 1520, cuando Miguel Ángel y sus numerosos ayudantes se esforzaban por colocar ladrillos y cortar mármol para la Nueva Sacristía que estaban construyendo en el nivel superior.

Varios esbozos podrían ser originales de Miguel Ángel, según Wallace, pero otros probablemente eran representaciones de trabajadores que intentaban resolver dilemas artísticos o que simplemente se entretenían durante los descansos.

«Separar unos de otros es casi imposible», dice. Aun así, añade que el misterio de quién elaboró estos bocetos no les resta valor ni tampoco quita importancia al descubrimiento.

«Estar en esa sala es algo maravilloso. Te sientes privilegiado», afirma. «Te sientes más cerca del proceso de trabajo de un maestro y de sus alumnos y ayudantes».

La sala provoca una respuesta emocional entre los afortunados que pueden visitarla. Estar entre sus cuatro paredes, con la tenue iluminación de una ventana en la esquina, es como echar un vistazo a la mente de Miguel Ángel, cuya impresionante obra artística llena el edificio.

«Se trataba de una persona con capacidades infinitas», dice Wallace. «Vivió hasta los 89 años y nunca dejó de mejorar».

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Este rostro barbudo aparece entre los dibujos de los muros de la cámara.
FOTO POR PAOLO WOODS, NATIONAL GEOGRAPHIC

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El dibujo se parece a la cara de la estatua “Laocoonte y sus hijos”, una obra de arte antigua que inspiró a Miguel Ángel.
FOTO POR ERIC VANDEVILLE, GAMMA-RAPHO, GETTY IMAGES

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Uno de los muros de la cámara muestra estos dibujos de piernas sin cuerpo en diversas poses.
FOTO POR PAOLO WOODS, NATIONAL GEOGRAPHIC

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Las diversas piernas pintadas parecen ser un estudio para la estatua de Giuliano de’ Medici, que se encuentra sobre la tumba del mandatario en la Nueva Sacristía sobre la cámara oculta.

FUENTE: http://www.nationalgeographic.es/historia/2017/04/descubierta-una-sala-secreta-con-obras-maestras-perdidas-de-miguel-angel

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Parsifal – Festival Escénico Sacro – Parte I

Parsifal. Jean Delville

Parsifal. Jean Delville

El Origen

Corría el siglo XIII. La Provenza era un crisol de esencia mistérica: en aquella zona estaban vigentes el gnosticismo, en especial los Cátaros; la Orden de los Caballeros del Temple; la circulación de tratados alquímicos orientales; el Amor Cortés y el surgimiento de los trovadores. Bajo la influencia de tal crisol, fue inspirado un minnesänger bávaro llamado Wolfram von Eschenbach (ca. 1170 – ca. 1220). Él mismo, caballero de la corte de Hermann de Turingia, se transformaría en leyenda. Es que hasta hoy llegan sus seguidores que aún imaginan al poeta creando bajo la sobra de un tilo su más reconocida historia: Parzifal.

El Canto del Cisne de Richard Wagner

Uno de los corazones tocados por el contenido simbólico de los poemas de

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The Holy Grail is carried in. Arthur Rackham (

Parzifal y Titurel fue el compositor, poeta y dramaturgo alemán Richard Wagner (1813-1883). Basándose en el antiguo cuento de Wolfram, realizó su última obra: Parsifal, Festival Escénico Sacro, en tres actos. En ella magnifica la presencia del Grial, que en Wolfram aparece como “una piedra que debe ser de gran valor”, lapis exilis, y que en Wagner la encontramos transfigurada como la Copa que usó Jesús en la Última Cena, la misma que contuviera la sangre de Cristo cuando Longinos, soldado romano, al ver al Maestro crucificado y agónico, en un acto de legítima compasión puso fin a su sufrimiento clavando una lanza en su costado. Tanto la Lanza como el Grial, son reliquias que representan la presencia del Cristo en la tierra, el hombre divinizado, la magia de Redención y la posibilidad de la humanidad en cuanto al potencial de expresar su verdadera esencia: el amor puro, sin condiciones ni barreras ideológicas o intelectuales, sin preferencias, fanatismos o desbordes sentimentales. Ese Amor que se reconoce ante la manifestación del Respeto, el Orden, la Verdad y la Unidad…

Wagner, el buscador del Grial

 

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Parifal’s way to Montsalvat. Andre Kosslick. Digital Art.

Es imposible no identificar la búsqueda personal de Wagner en la composición de sus obras. Al advertir sus miserias y dificultades, buscó la redención en la religión, la mitología, los textos sagrados y las antiguas escuelas de misterios. De allí extrajo arquetipos que devuelven al mundo los valores e ideales que sirven como guía en la búsqueda de autorrealizacion, el regreso consciente al sí mismo. Así experimentó el compositor el efecto de una creación artística:

“Incluso la influencia de la óptica que nos rodeaba, y la atmósfera acústica, elevaban nuestras almas lejos del entorno ordinario; y la conciencia de esto era evidente ante el pensamiento de regresar a la realidad. Ser capaz de olvidar el mundo de fraude en esta verdadera imagen de ensueño parecerá el galardón y recompensa por la amarga sinceridad con que el hombre hubo de reconocer su estado de infortunio.”

El observar su propio “estado de infortunio” surge del definitivo hartazgo de vivir una realidad vacía de significado. Esto predispone al hombre a la búsqueda de respuestas a las preguntas fundamentales, auténtica motivación que lo guía, lo conduce y lo transforma. Esta indagación, análoga a la búsqueda del Santo Grial, sensibiliza al ser humano ante la expresión de la realidad del Alma cuando usa como puentes a los arquetipos que surgen en el Arte, esto que Wagner llama una “verdadera imagen de ensueño”

 

En las próximas entradas desarrollaremos el argumento de la obra Parsifal, Festival Escénico Sacro y descubriremos juntos su lenguaje simbólico.

 

Gaby Chavarini

The Arming and Departure of the Knights. Sir Edward Burne-Jones (1890s)

The Arming and Departure of the Knights. Sir Edward Burne-Jones (1890s)

 

 

 

Cuatro hombres: Canto y Sonido. Por Jiddu Krishnamurti

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“Había cuatro que estaban cantando, y aquello era puro sonido. Eran hombres tranquilos, de edad, desinteresados de las cosas mundanas, pero no por renunciación; simplemente no les atraía el mundo. Llevaban ropas viejas pero limpias, y sus rostros eran solemnes. Apenas os habríais fijado en ellos si hubieran pasado a vuestro lado en la calle. Pero, en cuanto empezaron a cantar, sus caras se transformaron y se volvieron radiantes, sin edad, y con el sonido de las palabras y con la poderosa entonación, creaban aquella extraordinaria atmósfera de una lengua muy antigua. Ellos eran las palabras, el sonido y el sentido. El sonido de las palabras tenían gran profundidad. No era la profundidad de un instrumento de cuerda o de un tambor, sino la profundidad de una voz humana sensible a la significación de las palabras santificadas por el tiempo y el uso. El canto era en ese idioma que ha sido pulido y perfeccionado, y su sonido llenaba la gran sala y penetraba las paredes, el jardín, la mente y el corazón. No era el sonido de un cantante en el escenario, sino que había el silencio que existe entre dos movimientos del sonido. Sentía uno su cuerpo inevitablemente conmovido por el sonido de las palabras, que entraba hasta la médula de los huesos. Estábamos sentados en completo silencio, y eso nos tenía cautivos de eso. No era un sonido que nos adormeciera, sino un sonido que nos sacudía y casi nos golpeaba. Era la profundidad y la belleza del tono puro, no turbado por el aplauso, por la fama y por el mundo; era el tono del que proviene todo sonido, toda música.
Un niño de unos tres años estaba sentado delante, sin moverse, tieso, con los ojos cerrados; no estaba dormido. Pasada una hora, se levantó rápidamente y se fue, sin ninguna timidez. Era igual a todos, porque el sonido de las palabras estaba en su corazón.
Nunca nos cansábamos durante aquellas dos horas; no queríamos movernos, y no existía el mundo, con todo su ruido. Poco después cesó el cántico y terminó el sonido; pero seguía en nuestro interior, y seguiría durante muchos días. Los cuatro se inclinaron y saludaron, y una vez más volvieron a ser los hombres de todos los días. Dijeron que habían practicado esta forma de canto durante más de diez años, y que ello había requerido gran paciencia y vida consagrada. Era un arte moribundo porque apenas hay nadie hoy dispuesto a dedicar su vida a este género de canto. No daba dinero no fama, ¿y quién querría entrar en esa clase de mundo? Les deleitaba mucho, decían, cantar ante personas que realmente apreciasen su esfuerzo. Luego siguieron su camino, pobres y perdidos en un mundo de estrépito, crueldad y codicia. Pero el río había escuchado, y estaba en silencio”.
Jiddu Krishnamurti

Fuente: Comentarios sobre el vivir, Tercera Serie; 1966, Editorial Kier.

El Dolmen mágico de Dalí

Foto: Carlos Viñas

Foto: Carlos Viñas

Desde la antigüedad el lenguaje simbólico permite transferir mensajes de trascendencia, mensajes que no pueden completar las palabras ya que requieren de la chispa de entendimiento que sella al receptor cuado logra  la captación global de lo que es. Las catedrales, los monumentos antiguos, el lenguaje alquímico, se sirvieron de cánones que remiten a la noche de los tiempos y que a la vista de todos sobrecogen al espectador, pero sólo “hablan” a quienes tengan el conocimiento para comprender su significado. El dolmen de Dalí, creado en 1986 para la plaza de Felipe II (personaje, por dalidolmencierto, muy vinculado al conocimiento mistérico) posee la cualidad de hablarnos en tal lenguaje simbólico: Todo en su composición posee una clave dispuesta para quien quiera leer el mensaje que dejó el maestro para la posteridad.

Su origen

En el año 1985 el alcalde Tierno Galván autorizó colocar en Puerta del Sol, una de las principales Plazas de Madrid, el primer cartel de la exposición “Viva la Gala!” realizada en memoria de la musa y esposa de Dalí. El artista agradecido profundamente por el gesto, otorgó al alcalde un bastón que había pertenecido a Víctor Hugo. Así mismo Tierno Galván le dedicó un espacio en Madrid.

El diseño

El monumento consta de un dolmen con forma de trípode de 13,13 mts., y 8 mts. más adelante una figura de bronce dedicada al científico Isaac Newton, sobre un pedestal cúbico. El diseño está basado en una obra preexistente del autor, “Fosfeno de Laporte” (1932) dedicada también a otro gran científico e investigador de las ciencias ocultas, Giovanni Battista della Porta.

Estudio de los Elementos: la simbología

Dolmen. Pavimento original antes de la reforma.

Dolmen. Pavimento original antes de la reforma.

El Dolmen (del bretón Dol, mesa; Men, piedra) o  “Mesa de piedra grande”, es un conjunto megalitico de carácter funerario según algunos expertos, ya que en alunos ejemplares construídos por distintos pueblos de la antigüedad se han encontrado osamentas humanas. Pero también se los interpreta como altares para rituales relacionados con la Naturaleza, por ello algunas fuentes le aportan un simbolismo relativo a la fertilidad y a la Gran Madre (a diferencia de los menhires que representan la dimensión masculina). Las tres columnas hacia el techo del dolmen en forma tienen un carácter solar, representando cada soporte según Dontenville “el levante, el cenit y el poniente”. La antigua losa diseñada originalmente para la plaza, que fue levantada y reemplazada en el año 2002, también reforzaba la impronta solar, a través de rayos que salían desde el centro del monumento hacia la extensión del predio y conclu”ian en una serie de círculos concéntricos.

El número 13. El dolmen mide a pedido del autor, exactamente 13,13 mts y fue inaugurado el 17 de julio de 1986 a las 13:13 hs.. Tal número es de gran relevancia en el Tarot, conjunto de cartas que sintetiza el sendero del héroe. El número 13 representa la muerte o la trascendencia de

Dolmen de 13,13 mts., inaugurado en la Plaza de Felipe II a las 13:13 hs del 17 de julio de 1986.

Dolmen de 13,13 mts., inaugurado en la Plaza de Felipe II a las 13:13 hs del 17 de julio de 1986.

vuelta hacia el origen, el encuentro con la inmortalidad del alma. Esto se expresa a través de la relación entre el Mago (arcano 1) frente a la Naturaleza representada por la figura de la Emperatriz (arcano 3). Mientras el obrar común conserva en demasía elementos que tarde o temprano han de morir o ser renovados (sistema de creencias, condicionamientos, tradiciones), elementos que precipitan (ley de gravedad?), y se cristalizan en la personalidad, El Mago experimenta este vínculo viajando a la velocidad de la trinidad (algo nace, se conserva por un tiempo y muere para dar lugar a un nuevo nacimiento). No cae en la trampa del exceso de conservación, experimentando una constante renovación que le provee del don de la Inmortalidad en la conciencia.

El pedestal. El pedestal es un cubo de granito negro. Posee en cada cara visible una letra dorada del nombre “Gala”, quedando la “G” de gravedad, justo debajo de la figura del científico. El cubo se utiliza como símbolo del dominio de la materia física y mental, esto es el obrar conciente; sumado al dorado como símbolo solar, algunos expertos afirman que refiere a la Conciencia Solar.

Isaac Newton. Científico iniciado en los misterios, alquimista, rosacruz, pulgar2cabalista. La escultura está realizada en bronce patinado en negro, con gran expresión de movimiento, de avanzar. Su pie derecho está fragmentado, lo cual remite a los mitos de dioses herreros o dioses cojos, tales como Hefesto, cuya imperfección no imposibilitó el alcance de sus máximas proezas. Al lado del pie derecho se encuentra un pulgar suelto. Esto puede aludir a una frase que se le adjudica al científico: “A falta de otra prueba, el dedo pulgar por sí solo me convencería de la existencia de Dios”; aunque también puede ser una referencia al hecho de que antes que él, otros avanzaron por el mismo sendero y marcaron el camino, remitiendo a otra frase que siendo de Bernardo de Chartres (s.XII) se popularizó gracias a Newton: “Si he logrado ver más lejos, ha sido porque he subido a hombros de gigantes”.

newton culoEl tronco de la figura está horadado y dentro en su centro, a modo de corazón, hay una esfera pendular equivalente a la que afuera pende de un hilo sostenido por su mano, haciendo gráfico el principio hermético de correspondencia: “Como arriba es abajo, como abajo es arriba” .

SONY DSCCabeza con forma de huevo ahuecado. El huevo en muchas culturas es símbolo de una realidad primordial que contiene en germen de la creación. Representa el poder creador de la luz, la totalidad y a su vez, la renovación periódica de la naturaleza. Símbolo de renacimiento,emblema de inmortalidad y trascendencia. Tanto el huevo como la esfera son simbolos de completud en sí mismos. La cabellera del personaje en movimiento cierran la idea de estar en el camino de búsqueda de la perfección a la que aspira.

Conclusión

La importancia de esta obra radica en que se trata de la única plaza que Dalí diseñó en el mundo y en ella dejó ciertamente un legado. El conjunto remite a la impronta simbólica que evoca el Tarot, sistema que Dalí conocía muy bien ya que en su día fue el autor de una especialísima visión de los arcanos que sintetizan el sendero del héroe. Nos da la idea de haber dejado a través de esta obra un testamento, un legado: su concepción del cosmos. Un cosmos donde elementos femeninos y masculinos se complementan, otorgando la primordial idea de evolución y de movimiento hacia un hombre y una mujer nuevos, con visión científica sobre sí mismo, en el sentido de búsqueda inquieta, objetiva, precisa y curiosidad inagotable. Sacar afuera lo que está adentro, aportando la originalidad que alberga en cada persona, invitándonos a superar toda adversidad y recordándo que no estamos solos: otros, como él lo hiciera, ya transitaron el sendero mítico dejándo en el mismo claves, allanando el terreno para quien quiera investigar y completar la búsqueda del ser.

Gaby Chavarini

Links:

http://www.plazadedali.com/

http://www.ivoox.com/plaza-dali-audios-mp3_rf_3437120_1.html

Un Pacto y una Bandera por la Paz: El Pacto Roerich

El Pacto Roerich y la Bandera de la Paz fueron creados y promovidos por Nicolás Roerich, con el fin de proteger los tesoros del genio humano de todo Tiempo y Cultura…

Saint Sophia the almighty wisdom. NIcholas Roerich, 1932.

Saint Sophia the almighty wisdom. NIcholas Roerich, 1932.

Pacto Roerich

Firma del Pacto Roërich. 15 de abril de 1935, Despacho Oval de la Casa Blanca, E.E.U.U.

Firma del Pacto Roerich. 15 de abril de 1935, Despacho Oval de la Casa Blanca, E.E.U.U.

El Pacto Roerich, fue creado con el fin de proteger los tesoros del genio humano, estableciendo que las instituciones educativas, artísticas, científicas y religiosas, así como los lugares de relevancia cultural, debían ser declarados inviolables, y ser respetados por todas las naciones, tanto en tiempos de guerra como en tiempos de paz. Fue firmado el 15 de Abril de 1935 en el Despacho Oval de la Casa Blanca, en presencia del entonces Presidente de los Estados Unidos Franklin D. Roosevelt, por representantes de 21 gobiernos de toda América, miembros de la Unión Panamericana. Como embajador de la República Argentina firmó el doctor Felipe Espil.

Quién fue Nicolás Roerich

Nicolás Roerich (1874-1947)

Nicolás Roerich (1874-1947)

Nicolás Roerich  (1874-1947) fue pintor, filósofo, escritor y explorador ruso de gran poder personal. Estudió Derecho y Pintura, ambos con mucho éxito. Se casó con Helena Shaposhnikova, quien más tarde desarrolló la filosofía Agni Yoga. Trabajó también como diseñador de vestuario y escenografía para varias óperas, entre ellas Tristán e Isolda de Richard Wagner y ballets de Maurice Maeterlinck y de Igor Stravinsky. Creó el Instituto Maestro de Artes Unidas en Nueva York, donde trató de unir a todas las artes en un mismo lugar, ofreciendo clases de música, pintura, escultura, arquitectura, ballet y teatro, así como conferencias, conciertos y exposiciones. Pero su obra más destacada fue el compromiso con la Cultura de Paz y la auténtica necesidad de que esta sea extendida a nivel planetario, probablemente como resultado de sus múltiples viajes a los más recónditos lugares del mundo y el despertar de la Conciencia de Unidad que ello le hubiera conferido.

Frances Grant, humilde trabajadora por la Paz

Madonna Laboris. Nicolás Roerich, 1933

Madonna Laboris. Nicolás Roerich, 1933

Periodista y escritora norteamericana, Frances Grant (1896-1993) fue pionera en las Relaciones Públicas entre Estados Unidos y América Latina. En 1920 conoció a la familia Roerich, convirtiéndose inmediatamente su leal representante y dispensadora de la Cultura de Paz. De su muy destacado trabajo, como fundar la Institución Asociación Panamericana de

Francis Grant con Victor Raul Haya de la Torre (Perú), 1965.

Francis Grant con Victor Raul Haya de la Torre (Perú), 1965.

la Mujer (PAWA) para exaltar de la cultura y el arte nativos, el intercambio cultural y el desarrollo de las mujeres; o ser nombrada Secretaria General de la Sección de la Liga Internacional de los Derechos Humanos en América Latina; hoy hacemos incapié en su imprescindible rol como representante de las relaciones culturales en América, ya que esto dio lugar a la firma unánime del Tratado de la Cultura y la Paz en 1935 por las 21 naciones de la Unión Panamericana.
Su obrar siempre fue desde un lugar humilde, lejos de esperar reconocimiento para sí, y a su vez sumamente efectivo, movida por la fuerza y la confianza de quien es respaldado por un propósito mayor como fue el suyo y el de la familia Roerich, de sembrar la Conciencia de Unidad respetando la diversidad que ofrecen todas las culturas de nuestro mundo.

La Bandera de Paz

Cristo Rodeado de Ángeles (fragmento). Hans Memling, 1480.

Cristo Rodeado de Ángeles (fragmento). Hans Memling, 1480.

En color magenta tres esferas que simbolizan la Espiritualidad, el Arte y la Ciencia, contenidas por un círculo que representa la Cultura sobre un fondo blanco. Este símbolo cuya antigüedad se pierde en la noche de los tiempos, se encuentra por ejemplo, en piedras de Mongolia del periodo paleolítico, en estandartes budistas o en el Cristo que Hans Memling pintó en 1480. Por su valor y reconocimiento universal se elije este símbolo para representar las diferentes manifestaciones del hombre del Pasado, Presente y Futuro, dentro del círculo de la Eternidad. Hoy cada embajador de Paz que la recibe a través de organismos como Fundación Paz Ecología y Arte , Mil Milenios y el Consejo de Paz de Argentina, conoce el profundo significado que ella enarbola.

Reflexión Final

El Pacto Roerich fue un llamado a la Unidad del Mundo. Sembró un nuevo cimiento para el futuro. Un futuro en que los líderes de la humanidad se unen en pos de un mismo propósito, en beneficio de todos. Un futuro en el que la Cultura de Paz es la sólida consecuencia de la consumada integridad del hombre, respetándose a sí mismo, a su entorno y a sus creaciones a través del tiempo. Reconociendo el gran valor histórico y de recapitulación que proveen obras, monumentos y documentos que civilizaciones del pasado nos han legado. Reconociendo la magnificencia de la creación, cuando el hombre se funde con la naturaleza a través del Arte, la Ciencia y la Espiritualidad, cooperando al unísono dentro y fuera de uno. El Pacto Roerich capturó una visión de Futuro que hemos de co-crear como individuos hoy, para que a su tiempo precipite como la realidad de una sociedad consciente.

Madonna Oriflamma, Nicolás Roërich. 1932

Madonna Oriflamma, Nicolás Roërich. 1932

“Las ideas no mueren, dormitan a veces, pero al despertarse son aún más fuertes de lo que eran antes de su sueño. No ha muerto la Bandera de la Paz. Se ha ocultado, mientras se cometan atrocidades en la guerra. Pero llegará la hora, en que [los seres humanos] de nuevo se dirigirán conscientemente a la custodia de los valores culturales, a esta base verdadera del mundo. Y no solamente ondea la Bandera de la Paz sobre los valores culturales: Ella ondea sobre el corazón humano, aquel gran tesoro, donde está creado el futuro renovado”.
Nicolás Roerich, 1944.

Gaby Chavarini

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Madonna the protector, Roerich, 1933.

Links

Pacto Roerich y Bandera de Paz. Fundación Paz Ecología y Arte

Comité Internacional de la Bandera de Paz

Firma del Pacto Roerich. Página oficial del Museo Roerich N.Y. (En Inglés)

El Arte Visionario de Xul Solar

“Hombre versado en todas las disciplinas, curioso de todos los arcanos, padre de escrituras, de lenguaje, de utopías, de mitologías, huésped de infiernos y de cielos, autor panajedrecista y astrólogo, perfecto en la indulgente ironía y en la generosa amistad, Xul Solar es uno de los acontecimientos más singulares de nuestra época… Sus pinturas son documentos del mundo ultraterreno, del mundo metafísico en que los dioses toman la forma de la imaginación que los sueña”.

Jorge Luis Borges, 1949

tu y yo

Tú y yo. Xul Solar, 1923.

Nació en San Fernando, provincia de Buenos Aires, a las 11:20 de un radiante 14

San Francisco. Xul Solar, 1917.

San Francisco. Xul Solar, 1917.

de diciembre de 1887. En un artículo publicado en agosto de 1969 de la revista 2001, se lee: “A los siete años se escapó de su casa. Lo buscaron desesperadamente por todos los lugares que podían fascinar a un niño de su edad. Lo encuentran en un lugar insólito, la estación de ferrocarril, dibujando locomotoras, en su primera fiebre de indagación de las creaciones de que se vale nuestra inteligencia para dotar a nuestra materia de cualidades superiores a su misma naturaleza”. Su inquietud se sostuvo a lo largo de su vida como embajador entre el presente y su visión de futuro. Y tal visión, que se expresa en sus pinturas entre seres y secretos, siempre hablaron de un entramado cósmico, como revelación de la unidad en todo lo existente. Quizás de ello dan prueba curiosas cartas natales realizadas por su puño y letra, a partir de las fechas y hora de nacimiento de Kepler, John Dee, Newton, entre otros,  que aún conserva el Museo en su nombre.

Panlengua

Judge. Xul Solar, 1923.

Judge. Xul Solar, 1923.

Como el mago que fue Oscar Agustín Alejandro, alquimizó su nombre tomando del apellido de su padre alemán Schulz el extracto XUL (“Lux” al revés) y Solar del apellido de su madre italiana (Solari), logrando una síntesis perfecta e inmortal: XUL SOLAR (Luz Solar). Estudió infinidad de idiomas, e incluso inventó uno, la Panlengua, en su afán de legar un único idioma que genere entendimiento entre todos los habitantes del planeta. El Prefijo “Pan-” tomado del griego pan (todo), se encuentra permanentemente en su trabajo como idea de conjunto y unidad.

Los Inventos

Xul Solar y su esposa Micaela Cárdenas, la “señora Lita”, jugando al Panajedrez

Xul Solar y su esposa Micaela Cárdenas, la “señora Lita”, jugando al Panajedrez

Su búsqueda y conocimiento esotérico se plasmaron en su arte e inventos, en una indagatoria interminable y creativa cuyos ejes principales fueron la astrología, el tarot y la cábala en su trascendencia más profunda. Así nace también el Panajedrez, un ajedrez de doscientas bellísimas piezas, de madera de diferentes símbolos, alturas y colores, en un tablero de doce cuadros por lado. Además de entretenimiento promueve el conocimiento astrológico, la equidad y la aplicación de toda la agudeza del jugador que dispone de multiplicidad de movimientos con las piezas. Además sirve para realizar composiciones musicales y comunicarse a través de la ya mencionada Panlengua. También creó un piano pequeño de tres hileras, cada tecla de distinto color y textura para que el ejecutante reconociera la altura y tono también a través del tacto.

Panajedrez. Xul Solar.

Panajedrez. Xul Solar.

Borges

Almas das Pirámides. Xul Solar, 1921.

Almas das Pirámides. Xul Solar, 1921.

Jorge Luis Borges es otro de los hombres que llega hasta la emoción cuando recuerda a Xul Solar. “Previsiblemente las utopías de Xul Solar fracasaron –ha dicho-, pero el fracaso es nuestro, no es suyo. No hemos sabido merecerlo.” Nos confirma su convencimiento de que las premenciones de Xul Solar eran alimentadas por contactos misteriosos.
-¿Cómo era Xul Xolar?- preguntamos a Borges.
-Un hombre excepcional que vivía pensando, imaginando y soñando, y que no le interesaba nada que no tuviese el valor de la creación. No le interesaba la promoción ni el dinero.
-¿Tiene usted algún cuadro de Xul Solar?
-El primer sueldo que cobré en Crítica, que era entonces de cincuenta pesos, lo

Ofrenda Cuori, Xul Solar, 1915

Ofrenda Cuori, Xul Solar, 1915

destiné para comprar un cuadro de Xul. Él los vendía a cien, pero me lo rebajó a la mitad.
-¿Sabe que hoy vale una fortuna?
-Para mí, como para él, no tiene precio. Sus imágenes son verdades universales que no pueden avaluar. Xul Solar está presente en cada una de ellas. Mucho de lo que sé se lo debo a él, que fue mi maestro. De él aprendí hasta budismo o Iaoismo.(Fuente: Revista 2001, nro. 13)

El 9 de abril de 1963 se retiraba del plano físico, dejando como testimonio de su visión una obra prolífera, original y multifacética, cubierta por el velo del misterio para quien realmente pueda profundamente investigar y descifrar.

Gaby Chavarini

Lago-monti. Xul Solar, 1921.

Lago-monti. Xul Solar, 1921.

“Alejandro Xul Solar, pintor, escribidor y pocas cosas más, duodecimal y catrólico (ca –cabalista, tro – astrológico, co –coísta o cooperador). Recreador, no inventor, campeón mundial de panajedrez y otros serios juegos que casi nadie juega; padre de una panlengua, que quiere ser perfecta y casi nadie habla, y padrino de otra lengua vulgar sin vulgo; autor de grafías platiútiles que casi nadie lee; exegeta de doce (+ una total) religiones y filosofías que casi nadie escucha. Esto que parece negativo, deviene (werde) positivo con un adverbio: aún, y un casi: creciente”.

Xul Solar

Draco. Xul Solar, 1927.

Draco. Xul Solar, 1927.

http://www.educ.ar/sitios/educar/recursosEmbebidos/?id=120914&theme=dark&titulo=1&desc=1&width=480&height=406

15 fascinantes Dibujos del poeta Victor Hugo

Victor Hugo (1802-1885)

Victor Hugo (1802-1885)

 

La pluma de Víctor Hugo (Besanzón, 26 de febrero de 1802 – París, 22 de mayo de 1885), consagró al poeta, dramaturgo y novelista de gran lirismo y compromiso social; como un emblema de la historia de la literatura francesa del siglo XIX. Pero no sólo eso. La pluma de Victor Hugo, también lo llevó a experimentar con las tintas a través del dibujo. Sus obras parecen influídas por su indagación en el ocultismo, que incluso llegó a vincularlo con sociedades secretas cuyos documentos se perderían en la noche de los tiempos. Imágenes que sugieren recuerdos capturados por una cámara estenopeica: ruinas, arcos, paisajes lejanos, atmósferas profundas, de otro tiempo. De su inspiración emerge la gravedad como protagonista, la cual convoca al espectador a indagar en las profundidades aun desconocidas de su propia mente. En una sociedad que por default se embriaga en lo superfluo para inhibir el natural impulso hacia el reajuste y la renovación, Hugo nos recuerda que en las sombras del pasado se ocultan las causas de nuestro presente, nos guste este o no, y que podemos transmutarlo destacando la belleza que en ello se esconde. Existe una realidad que por sutil se nos escapa en lo cotidiano. Si la clave está escondida en las sombras, su transmutación será la puerta de acceso a nuevos horizontes…

Gaby Chavarini

Hic clavis, alias porta (La clave es aquí, la puerta en otro lugar), 1871. Pluma, tinta, grafito, carbón. Victor Hugo.

Hic clavis, alias porta (La clave es aquí, la puerta en otro lugar), 1871. Pluma, tinta, grafito, carbón. Victor Hugo.

El gran pintor romántico, Delacroix, escribió a Victor Hugo que si hubiera decidido convertirse en un pintor en lugar de un escritor, habría eclipsado otros artistas de su siglo.

El gran pintor romántico, Delacroix, escribió a Victor Hugo que si hubiera decidido convertirse en un pintor en lugar de un escritor, habría eclipsado otros artistas de su siglo.

 

"The Wave" or "My Destiny", 1857. Victor Hugo.

“The Wave” or “My Destiny”, 1857. Victor Hugo.

"Setting sun". Victor Hugo, 1852-1855. "El genio en la tierra es Dios que se da. Cada vez que aparece una obra maestra, es una distribución de la Divinidad que se hace a los hombres. La obra maestra es una especie de milagro".

“Setting sun”. Victor Hugo, 1852-1855. “El genio en la tierra es Dios que se da. Cada vez que aparece una obra maestra, es una distribución de la Divinidad que se hace a los hombres. La obra maestra es una especie de milagro”. V.H.

"The Casquets" rocks between Jersey and Guernesey. Victor Hugo.

“The Casquets” rocks between Jersey and Guernesey. Victor Hugo.

Rossette. Pluma y tinta sobre papel. Victor Hugo, 1856. "Lo que Hugo buscaba en estos dibujos eran señales que estimulen su imaginación y sugerencias que direccionen para su pluma. Hugo interpretó estos plegamientos, no con fines psicológicos como el médico suizo Hermann Rorschach con sus famosas pruebas introducidas en 1921, sino como un vidente. Desarrolló la simetría, discernió semejanzas, descubrió figuras y llevó a cabo todo tipo de variaciones. Florian Rodari".

Rossette. Pluma y tinta sobre papel. Victor Hugo, 1856. “Lo que Hugo buscaba en estos dibujos eran señales que estimulen su imaginación y sugerencias que direccionen para su pluma. Hugo interpretó estos plegamientos, no con fines psicológicos como el médico suizo Hermann Rorschach con sus famosas pruebas introducidas en 1921, sino como un vidente. Desarrolló la simetría, discernió semejanzas, descubrió figuras y llevó a cabo todo tipo de variaciones”. Florian Rodari.

Planet. Victor Hugo, 1854. "El cuerpo humano no es más que apariencia, y esconde nuestra realidad. La realidad es el Alma." V. H.

Planet. Victor Hugo, 1854. “El cuerpo humano no es más que apariencia, y esconde nuestra realidad. La realidad es el Alma.” V. H.

"Planet". Victor Hugo, 1866.

“Planet”. Victor Hugo, 1866.

"Muchas de las pinturas de Hugo han sobrevivido. Uno reconoce en ellas a un dibujante consumado, la audacia de ejecución y un sentido de la poderosa creatividad. Aún hoy su obra tiene el poder de asombrarnos por la habilidad, la composición sólida, y con frecuencia por los efectos teatrales de luces y sombras que parecen haber sido alcanzados por el poeta-dibujante bajo un arrebato directo de inspiración". Jersey Heritage Trust

“Muchas de las pinturas de Hugo han sobrevivido. Uno reconoce en ellas a un dibujante consumado, la audacia de ejecución y un sentido de la poderosa creatividad. Aún hoy su obra tiene el poder de asombrarnos por la habilidad, la composición sólida, y con frecuencia por los efectos teatrales de luces y sombras que parecen haber sido alcanzados por el poeta-dibujante bajo un arrebato directo de inspiración”. Jersey Heritage Trust

Octopus with the initials V. H., 1866. Victor Hugo.

Octopus with the initials V. H., 1866. Victor Hugo.

Una técnica favorita de Hugo fue el desarrollo de un dibujo de una-mancha de tinta o de manchas (taches). Explotó el elemento de oportunidad de una manera visionaria, mediante la búsqueda de una forma reconocible en la forma, y lo atrae hacia fuera.

Manchas con impresiones dactilares, 1864-65. Victor Hugo. “Una de las técnicas favoritas de Hugo fue el desarrollo del dibujo a través de una mancha de tinta o varias (taches). Explotó la posibilidad que ofrece tal elemento de manera visionaria: mediante la búsqueda de una forma reconocible en lo que aparentemente carece de ella, y lo destaca”.

 

 

Town with tumbledown bridge. Victor Hugo, 1847.  "Una vez que el papel, el lápiz y la tinta se han puesto sobre la mesa, Víctor Hugo se sienta, y sin hacer un boceto preliminar, sin ningún tipo de preconcepto aparente; se pone a dibujar con una mano extraordinariamente segura, no quizás del paisaje en su conjunto, pero sí de algún detalle. Él comenzará su bosque con la rama de un árbol, su ciudad con un frontón, su frontón con una veleta; y poco a poco, toda la composición emergerá del papel en blanco con la precisión y la claridad de un negativo fotográfico sometido a la preparación química que lleva a cabo la imagen. Una vez hecho esto, el dibujante se pide una taza y acabará con su paisaje con una ligera lluvia de café negro. El resultado es un dibujo inesperado y poderoso, que es a menudo extraño, siempre personal; y recuerda los grabados de Rembrandt y Piranesi ". Charles Hugo

Town with tumbledown bridge. Victor Hugo, 1847.
“Una vez que el papel, el lápiz y la tinta se han puesto sobre la mesa, Víctor Hugo se sienta, y sin hacer un boceto preliminar, sin ningún tipo de preconcepto aparente; se pone a dibujar con una mano extraordinariamente segura, no quizás del paisaje en su conjunto, pero sí de algún detalle. Él comenzará su bosque con la rama de un árbol, su ciudad con un frontón, su frontón con una veleta; y poco a poco, toda la composición emergerá del papel en blanco con la precisión y la claridad de un negativo fotográfico sometido a la preparación química que lleva a cabo la imagen. Una vez hecho esto, el dibujante se pide una taza y acabará con su paisaje con una ligera lluvia de café negro. El resultado es un dibujo inesperado y poderoso, que es a menudo extraño, siempre personal; y recuerda los grabados de Rembrandt y Piranesi “. Charles Hugo

Mushroom, 1850. Victor Hugo

Mushroom, 1850. Victor Hugo

Le Gai Château. Victor Hugo, 1847. "Dios se manifiesta a nosotros en primer lugar a través de la vida del universo, en segundo lugar a través del pensamiento humano. La primera manifestación se llama naturaleza, la segunda arte". V.H.

Le Gai Château. Victor Hugo, 1847. “Dios se manifiesta a nosotros en primer lugar a través de la vida del universo, en segundo lugar a través del pensamiento humano. La primera manifestación se llama naturaleza, la segunda arte”. V.H.

 

 

 Calling Card, 1855. Victor Hugo

Calling Card, 1855. Victor Hugo

 

Links:

Los dibujos de Victor Hugo: http://maisonsvictorhugo.paris.fr/es/museo-colecciones/colecciones/hugo-sus-dibujos

Drawings of Victor Hugo: http://bittleston.com/artists/victor_hugo/

Dibujos de Victor Hugo (Post en español): http://wondrus.la/arte/ilustracion/dibujos-victor-hugo

Victor Hugo & Arts: http://arba7.pagesperso-orange.fr/corsane/Hugo/art/art1.html

Octopus with the initials V. H. by N. F. Karlins: http://www.artnet.com/Magazine/features/karlins/karlins5-5-98.asp